Osvaldo Sabino: Ab ore ad aurem

2011-11-11T19:01:00.004-03:00

De hombre a Hombre,

Merceditas Elordi, junto con

Óscar Giménez y Ulises Pafundi,

afrontan un gran desafío teatral que

supera todas las expectativas

PREMIO ESTRELLA DE MAR 2012

No es una tarea común ni fácil la de montar una obra que ha tenido varias puestas, en diferentes sitios, y que ha ganado premios. Sin embargo, Merceditas Elordi, junto a sus actores, Oscar Giménez y Ulises Pafundi, decidieron correr el riesgo de hacerlo con esta pieza de Mariano Moro (que la dirigió anteriormente). Valiente decisión la de la directora, y ese coraje de enfrentar a la crítica y al público, ha dado sus frutos: un montaje impecable que supera ampliamente todas las expectativas.

Ulises Pafundi - Óscar Giménez

De hombre a hombre es una comedia que presenta la relación entre un profesor estructurado, conservador (pero que tiene un punto débil), y su confrontación con un alumno prodigioso, pero fresco y un tanto caradura, un joven propio de nuestros tiempos en los que las barreras de antaño se han esfumado. Con el nexo unificador del valor de la palabra, escrita y hablada, ambos trascienden el escritorio y el pupitre que los separa. Igualmente, sus roles van intercambiándose gradualmente hasta alcanzar una unidad de sentimientos, el de Andrés (el estudiante), auténtico y valiente, y el de Juan Manuel (el profesor), tímido y reprimido. La relación entre ambos es un juego que lentamente va invirtiéndose, el profesor, típico, estructurado, poderoso detrás de su escritorio, va transformándose en el alumno que no logra aprender las lecciones que le da el joven que pronto termina dominando la situación.

Ulises Pafundi - Óscar Giménez

El juego del cambio de roles es justamente una de las bases de esta obra de Mariano Moro. Esta es una situación muchas veces vista, tanto en novelas, como en escenarios, o en las pantallas, podríamos dar una larga lista de ejemplos. Sin embargo, el enfoque que le da Moro, la torna única. Son excelentes sus usos de los clásicos a los que hace referencia sin hacer alarde de intelectualismo, pero mostrando un profundo conocimiento. Y se vale de todos ellos para expresar una relación platónica frecuente en el mundo estudiantil: la del alumno infatuado por el profesor que dicta su materia favorita, al que busca seducir con todo lo que tenga a mano, en este caso, con su talento.


Ulises Pafundi - Óscar Giménez

Óscar Giménez hace una excelente composición del profesor Juan Manuel, creando un personaje absolutamente creíble que, a medida que avanza la trama de De hombre a hombre, va pasando a ser de una figura acartonada y sarcástica, a un ser humano que debe enfrentar sus debilidades y desatinos profesionales y personales, y comprende que no tiene la energía para defenderse de la amenaza del brillo con que va encandilándolo su alumno. Giménez, un actor con un inagotable bagaje de recursos escénicos, y su carga de técnicas corporales y gestuales, logra otorgarle a su rol una poderosa energía para mostrar cómo lucha contra esas pasiones que busca reprimir.

Óscar Giménez

Ulises Pafundi asume cómodamente el rol de Andrés, desplegando toda su sensibilidad para estar alerta a cualquier movimiento de su profesor, y así satisfacerlo y superarlo con respuestas siempre exactas con las que busca seducir a Juan Manuel, y logra convencer a la platea de que todos somos partes de la clase que se desarrolla en la sala. Ambos actores tienen la gran virtud de poner lo técnico al servicio del espíritu del personaje, con lo que logran una actuación con alma.

Ulises Pafundi

Bajo la experta y muy cuidadosa dirección de Merceditas Elordi, De hombre a hombre resulta una magnífica experiencia teatral que logra imponer su sello propio para eludir comparaciones con versiones anteriores de la pieza. Un excelente trabajo de esta siempre ascendente directora.

Merceditas Elordi

No podemos dejar de destacar la funcionalidad y el uso de los espacios que permite la escenografía, y el diseño de luces de Edgardo Aguilar, que no sólo se circunscribe al escenario sino también a la platea que es parte de la clase.

Óscar Giménez - Ulises Pafundi - Mariano Moro - Edgardo Aguilar Merceditas Elordi

Por medio de la magnífica y muy hábil dirección de Merceditas Elordi, y la actuación de Óscar Giménez y Ulises Pafundi, dos formidables actores que desbordan de buen gusto y profesionalismo, De hombre a hombre, de Mariano Moro, logra superar todos los desafíos que pudiera haber implicado esta nueva puesta.

© Osvaldo Sabino, Buenos Aires, Argentina, 2011

Sinopsis

Dos personajes. Juan Manuel, un encantador profesor de Lengua y Literatura, frente a su aula repleta de estudiantes. Entre ellos se destaca Andrés, un alumno contestatario, que manifiesta su rebeldía, sus emociones, sus reflexiones y sentimientos casi sin filtros. Apenas aquellos que la adolescencia le permite. Dos personalidades fuertes, cada una con sus propios conflictos, se enfrentan durante toda la obra, estableciendo continuamente un campo de fuerzas encontradas. Entre admiración y provocaciones surge inevitablemente una historia de amor auténtico y, a la vez, contradictorio.

Una obra que enfrenta el deseo y el amor, al deber y la moral. Aspectos del ser humano que se ponen de manifiesto y se confrontan en la piel de Andrés y Juan Manuel.

Una obra poética, bella, tierna y reflexiva que, según dichos del propio autor, recuerda a las telenovelas de Alberto Migré y se presenta como un homenaje a ellas.

Fotos: Gentileza de Fher Giani ©

Duración: 70 minutos

Ficha artística

Juan Manuel: Oscar Gimenez

Andrés: Ulises Pafundi

Ficha Técnica

Dirección: Mercedes Elordi

Autor: Mariano Moro
Escenografía: Edgardo Aguilar
Iluminación: Edgardo Aguilar
Diseño gráfico: Paula Carranza
Asistencia general: María Palumbo

Taller del ángel
Mario Bravo 1239
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4963-1571
Web: http://www.tallerdelangel.com.ar
Entrada: $ 50,00 y $ 35,00

Domingos - 20:30 hs - Hasta el 27/11/2011

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2011-11-04T12:36:00.001-03:00

Cruzando la ventana,

de Matías Vitali:

una obra brillante que sorprende, asombra y atrapa a la audiencia

Ante todo es necesario establecer un punto muy importante al referirnos a Cruzando la ventana, y es que lo convencional no existe en el universo de Matías Vitali. Este joven dramaturgo tiene mucho de “transgresor”, dicho esto en el sentido de que lleva todas las situaciones hasta los extremos, y muchas veces los cruza audazmente en su búsqueda de un exacto balance entre el riesgo y la sujeción, la característica primordial que resulta de sus obras.

Matías Vitali

Cruzando la ventana es un drama difícil de catalogar, ya que Vitali se vale de una serie de líneas—psycho thriller, grotesco, drama, tragedia—y coloca su trabajo en el vértice exacto en el que todas ellas pueden aunarse cómodamente.

Matías Vitali

La historia está ubicada en una casa cerrada, en un espacio indeterminado que universaliza la temática. El desencadenante del conflicto en esta familia, compuesta por padre, madre, hijo y una especie de asistente psicológica, que vive separada de la sociedad, es la llegada de una prima que viene a quebrar con esa convivencia desbordante de agresión y de sentimientos contenidos. A partir de su arribo, se produce una grieta irreparable en ese esquizofrénico balance que habían logrado mantener durante muchos años. Y es así como la idea del mundo exterior comienza a invadir sus vidas, en especial, la de Juan Martín, el hijo que esconde una oscura historia en su pasado. De allí en adelante, emergen situaciones en las que, alternativamente, se superponen los secretos, las tensiones, los nervios, y la mentira en medio de la que viven. Si la prima recién llegada no es controlada, el mundo que han creado está bajo una poderosa amenaza de desintegrarse en cualquier momento. Y es así como van surgiendo situaciones y maquinaciones enfermizas que los lleva a pensar en el crimen.

Daniela Vacas - Valeria Ariosto - Matías Vitali - Fernando Carón

Desde el texto, la dirección y la actuación, Vitali maneja un profundo juego argumental logrando que los protagonistas de Cruzando la ventana se muevan de manera independiente o interaccionando manejados por un certero ajuste. En medio de ese modo de acción, y más allá de las motivaciones personales que los ha llevado a vivir en ese mundo asfixiante en el que se entremezclan lo lógico y lo ilógico, lo cotidiano y lo científico, la locura y la normalidad, los signos van invirtiéndose vertiginosamente. Matías Vitali, en su rol de dramaturgo y director, va introduciendo notas vinculadas a los intereses, tanto del mundo interior en el que viven, como del exterior que penetra la ventana de la mano de la prima inesperada. Y para hacer una contraparte de esto, cada personaje establece un velado alegato sobre la vida y sobre aquellos que la viven apasionadamente más allá de esos muros a los que un secreto oscuro los mantiene aferrados.

Daniela Vacas - Alejandro Souto - Matías Vitali

Un eje más de la obra se ubica en la condición y la naturaleza del ser humano, que presenta y traslada una imagen específica de la cotidianeidad externa, o sea la que ven “los otros”, sin lograr desligarse de sus expectativas interiores. Son dos mundos paralelos que el autor/director/actor establece de antemano. Es decir, la aproximación de mundos enfrentados con lo preciso o lo ficticio, lo ideal con lo imperfecto, los elementos básicos que colisionan en Cruzando la ventana.

Fernando Caron - Alejandro Souto - Valeria Ariosto - Matías Vitali - Daniela Vacas

En cuanto a lo psicológico, Vitali, introduce en varios tramos diálogos que dejan ver la extraña causa de esta locura familiar, y lo hace sin quebrar, en ningún momento, el interés en la acción. En referencia a lo recién dicho, debo acotar que si bien la obra tiene una duración de más de dos horas, al concluir la obra, el consenso general es que todos los espectadores se abstraen del tiempo, y salen creyendo que Cruzando la ventana dura mucho menos, la dinámica y las temáticas de la pieza son tan apasionantes que el tiempo vuela hasta que vuelven a encenderse las luces de la sala.

Daniela Vacas - Valeria Ariosto - Matías Vitali - Fernando Souto

Las actuaciones son absolutamente impecables, Matías Vitali logra componer a un Juan Martín binario en el que se aúnan todas las contradicciones posibles sin que en ningún momento se exageren las cualidades del rol, Valeria Ariosto, compone una brillante madre maquiavélica en su locura, Fernando Carón se destaca en el rol de padre y marido al que su mujer controla y domina sólo cuando están juntos, Alejandro Souto consigue armar una impecable asistente psicológica, niñera asesina, que desde el comienzo atrapa y enerva a la audiencia con sus cualidades histriónicas, y Daniela Vacas resulta una adorable prima, una ingenua no tan ingenua que logra desestabilizar la funcionalidad disfuncional de esta familia.

Valeria, Ariosto - Matías Vitali - Daniela Vacas - Fernando Caron

El diseño de luces se destaca dando los tonos justos a cada instancia. La escenografía hace un excelente aprovechamiento del escenario de La ratonera, y allí conviven varios planos que componen la casa en la que lo más destacado es el inodoro que está en el primer plano de espaldas a la audiencia, ambas son también diseño del joven Matías Vitali.

Cruzando la ventana nos muestra lo estrecha que es la visión del mundo que tienen por lo general los seres humanos. Los límites del marco, en muchos casos, no permiten ver más allá, establece un mundo ínfimo de risas y alienación cotidiana. Un mundo pequeño en el que habitan seres que nunca se animan a asomarse al exterior y que conviven atrapados en sus permanentes enajenaciones.

Fernando Caron - Alejandro Souto - Matías Vitali - Valeria Ariosto

Matías Vitali, con sus veinticuatro años, ha sabido atrapar y plasmar ese ínfimo universo con su inusual talento y su prodigiosa maestría—debemos destacar que esta es su octava pieza teatral estrenada—dos detalles descollantes de una temprana madurez que, sin duda, continuará sorprendiéndonos. Cruzando la ventana es una obra que asombra y que tienta a verla nuevamente.

© Osvaldo Sabino, Buenos Aires, Argentina, Octubre 2011

Matías Vitali

© Fotos de la obra, gentileza de

Miguel Mariscurrena

Ficha artística

La madre: Valeria Ariosto

El padre: Fernando Caron

Asistente psicológica/niñera: Alejandro Souto

La prima: Daniela Vacas

Juan Martín: Matías Vitali

Ficha Técnica:

Dramaturgia: Matías Vitali

Diseño de Vestuario y escenografía: Matías Vitali

Realización de vestuario y escenografía: Sebastián Toledo

Asistencia de dirección: Facundo Leiva

Diseño gráfico: Fernando Caron

Selección musical: Matías Vitali

Producción general: Alejandro Souto

Dirección general: Matías Vitali

Web: http://www.cruzandolaventana.blogspot.com

LA RATONERA CULTURAL

Av. Corrientes 5552 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 48572193

Web: http://www.laratonera.com.ar

Domingos: 18:30 hs.

Entrada: $ 40,00 y $ 25,00

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2011-10-07T09:13:00.000-03:00

Como pez frente al anzuelo

La esplendida Dolores Ocampo y sus músicos impactan con una de las propuestas unipersonales más exquisitas, amenas y profundas de la actual temporada

Muchos espectadores se sentirán identificados con Como pez frente al anzuelo, especialmente los que han tenido la suerte de haber vivido la época de oro del café concert. Quiénes creían que ya nadie iba a hacer algo similar a lo que se veía entonces, se equivocaron. Dolores Ocampo, con su inagotable talento, tanto dramatúrgico, como actoral y vocal, logra que la audiencia se emocione en este montaje en el que juega con las dificultades de las mujeres contemporáneas para conseguir un hombre.

Dolores Ocampo

Ocampo despliega todos sus talentos escénicos haciendo que el tiempo que dura la puesta sea tan corto que ir a verla más de una vez, resulta una necesidad. Su rol en este delicioso unipersonal es el de una mujer en busca de su pareja contada con un entretejido de textos y temas musicales muy cuidadosamente seleccionados. Así van pasando toda una colección de hombres que, por un motivo u otro, no llegan a ser el tan ansiado pez que morderá el anzuelo. La voz de Dolores Ocampo, tanto en su actuación como en los temas musicales, es uno de los elementos básicos para atrapar a la audiencia, es clara, poderosa, sumisa, entregada, tiene todos los elementos que salen a la luz solamente en una artista completa. Convence, motiva e incluye a los espectadores en la trama. Dada la fluidez con que maneja cada detalle, no es posible hablar de momentos destacables, Como pez frente al anzuelo es una unidad que su protagonista, medida, sin desbordes, sin buscar la simpatía del auditorio, lleva adelante sin que decaiga en ninguna instancia.

Dolores Ocampo - Emilio Turco

La banda que la acompaña no se queda atrás. En primer lugar, tanto Hernán Crespo, Luis Campos, Hernán Medina, y Emilio Turco, son excelentes músicos, pero también acompañan, en todo momento, a la figura central, con intervenciones directas, con silencios muy apropiados, como con sus expresiones y gestos que acentúan el ritmo del espectáculo. Además, los cinco se adaptan confortablemente a todos los diferentes ritmos que incluye la obra, lo cual no es una tarea fácil si se tiene en cuenta que va desde el chamamé al reggaeton, desde el bolero al tango, desde la cumbia al hilarante tema de Paquita la del Barrio, “Rata de dos cabezas”. La selección musical ha sido admirablemente cuidada por Ocampo que ofrece temas para todos los gustos. Sus músicos, su interpretación y su excelente voz hacen que aún aquellos ritmos que a alguno no le interesan, terminan gustándole.

Emilio Turco Hernán Medina Hernán Crespo Luis Campos

La dirección de Julieta Petruchi, es acertada y no ha dejado ningún detalle a la deriva, lo mismo que la escenografía y la iluminación de Magali Acha que logra dar los toques adecuados a cada escena. El vestuario diseñado por Vessna Bebek es altamente funcional a la rapidez que exigen los cambios, y esto lo logra sin sacrificar el buen gusto.

Julieta Petruchi

Como pez frente al anzuelo es, sin dudas, un espectáculo que bien pudiéramos imaginarlo en los templos inolvidables del café concert como lo fueron La Botica del Ángel, La Cebolla o El Gallo Cojo. Su brillo, su frescura, su fuerza, y sobre todo, su intérprete, son los elementos que se aúnan para lograr esta magia y saber que un género puede revivir con el paso del tiempo, de la mano de una joven talentosa como Dolores Ocampo quien, evidentemente, nunca ha vivido esa maravillosa experiencia que tantos atesoramos en nuestra memoria.

Dolores Ocampo

Cada sección, coronada por un tema musical, es recibida con fuertes aplausos de parte del público. Como pez frente al anzuelo es un unipersonal memorable, y Dolores Ocampo es una dramaturga, actriz y cantante, que uno sigue recordando hasta mucho después de dejar la sala. Un magnífico espectáculo en el que el talento supera todas las expectativas.

Como pez frente al anzuelo

Ficha artística:

Intérprete: Dolores Ocampo

Bajo: Luis Campos

Teclados: Hernán Crespo

Percusión: Hernán Medina

Guitarra: Emilio Turco

Ficha Técnica:

Texto: Dolores Ocampo

Dirección: Julieta Petruchi
Dirección musical: Hernán Crespo

Escenografía e iluminación: Magali Acha

Vestuario: Vessna Bebek

Asistencia de dirección: Sergio Carlevaris

Diseño grafico: Hernán Crespo

Incluye canciones originales de Hernán Crespo

y temas de L. Vallacco, J. Sabina, M. Toscano, M. Luna,

Tom Lehrer/Nacha Guevara, C. Darthés/L. Martino.

Elkafka Espacio Teatral
Lambaré 866
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-5439
Web: http://elkafkaespacioteatral.blogspot.com
Domingos - 18:00 hs
Entrada: $ 50,00 y $ 40,00 - Descuentos a estudiantes y jubilados.

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2011-09-28T15:55:00.002-03:00

Leandro y Lisandro

Dos personajes históricos en la piel de

dos brillantes actores:

Edgardo Moreira y Juan Vitali que,

bajo la dirección de Gerardo La Regina,

reviven exitosamente una historia que nunca sucedió

No es nada fácil aventurarse en el “teatro histórico”, menos aún cuando se trata de dos figuras controversiales que han dejado una profunda huella en la historia nacional. Y esto se complica más aún cuando hablamos de un encuentro que nunca sucedió, una veta que hemos visto en varios dramas de factura nacional y extranjera. Leandro y Lisandro, de Pacho O’Donnell, es una de las obras pioneras en esta modalidad, y ha subsistido el paso del tiempo con plena actualidad. Tampoco es una tarea simple mantener en vilo a una audiencia cuando todos conocemos el final. El real sostén de la obra radica en un texto brillante, un autor al que no se le escape ninguno de los muchos detalles destacables de dos vidas públicas, un director que sepa sacarles el acartonamiento de los libros de historia, y dos actores que tengan la fuerza, la vitalidad y el talento suficiente para revivirlos frente a la platea. Todos estos elementos se aúnan en Leandro y Lisandro.

Luis Vitali - Edgardo Moreira

El profesionalismo de Edgardo Moreira y de Juan Vitali, hacen que este drama no caiga en ningún momento en los peligrosos cliché, o lo discursivo, o la trampa común de la grandilocuencia que, por lo general, se le imprime a los personajes históricos a los que siempre buscan mostrar inmaculados. Moreira y Vitali encarnan a Lisandro de la Torre y a Leandro N. Alem sin permitir que estos vicios influyan sobre sus composiciones. Ambos, el fantasma de Alem y el de la Torre que empuña el arma para suicidarse, logran un enfrentamiento real en el que exponen los errores y los aciertos que han tenido en sus vidas políticas, los dos se adulan y se reprochan sin pelos en la lengua poniendo en primer plano toda una parte de la historia argentina que, sin duda, ha servido de base para la formación del país actual.

Edgardo Moreira - Juan Vitali

No podemos mencionar un momento escénico superior a otro, ya que toda la puesta supera las expectativas de los espectadores. Edgardo Moreira, un actor que se ha destacado en muchos roles muy comprometidos—como el juez que interpreta brillantemente en estos momentos en OW—logra una muy orgánica composición de su personaje, un político detallista, entero, idealista, al que transporta, con su inagotable habilidad escénica, desde el temor a lo desconocido que implica la muerte, hasta alcanzar la convicción de que su acto final no es en vano, sin jamás caer en los tics propios del héroe histórico. Su fuerza dramática es tal que deja la impresión de que el actor y el personaje se mezclan en un solo ser, y que si el actor estuviera en una situación similar, tendría las mismas cavilaciones del personaje que interpreta.

Edgardo Moreira

Lo mismo sucede con la interpretación de Juan Vitali, que por ser su personaje un político de una época anterior, debe atrapar con un discurso—cargado de tonos muy decimonónicos que logra quebrar con una actuación impecable, sin embargo, él logra no caer en un personaje aburrido, didáctico, y con su reconocida su capacidad actoral logra establecer la distancia necesaria del rol del prócer en el eterno pedestal.

Juan Vitali

La escenografía de Leandro y Lisandro es mínima, y la obra se desarrolla en tres espacios cuyos límites se pierden en el cortinado negro de fondo por el que entra y se marcha Alem. Tres espacios que el director, Gerardo La Regina, ha sabido aprovechar al máximo, lo mismo que la iluminación de Ariel Bonomi. También es muy acertada la música original y los arreglos de Bernardo Fingas, como el maquillaje y la caracterización de Daniel Durso y Analía Arcas.

Juan Vitali - Edgardo Moreira

Una excelente puesta que se adecúa perfectamente al momento que estamos viviendo, y que, sin caer en lo discursivo, el gran peligro del teatro histórico, nos muestra un pasado no tan lejano que tiene mucho peso y vigencia sobre nuestros días.

© Osvaldo Sabino, septiembre de 2012

Síntesis argumental:

La obra ficcionaliza un encuentro entre LEANDRO N ALEM y LISANDRO DE LA TORRE. Ambos murieron por mano propia, ambos representan la génesis del primer partido popular argentino, ambos son considerados víctimas de las malas prácticas de la política.
La acción transcurre en el departamento de Lisandro donde transita los últimos minutos antes de dispararse, es allí donde se hace presente el fantasma de Leandro, su padre en la política, con la intención de evitar el hecho.

El conflicto se sostiene a partir de la acción mutua de responsabilizarse uno al otro de sus derrotas, sin tener en cuenta el contexto donde se desarrollaron y sin evaluar las relaciones de fuerzas que en estas contiendas se conjugaron. El debate se ancla en la idea pura de sus principios.
La obra humaniza a los personajes y va más allá de la mística que los encierra, no solamente por el lugar que ocupan en el imaginario social, sino también por el modo en que ellos decidieron terminar sus vidas.

A nosotros como artistas nos representa un gran desafío encontrarnos con este texto de Pacho O´ Donnell, por la responsabilidad que implica hoy hablar de esta temática. Y al mismo tiempo nos llena de optimismo pensar que podemos sumar nuestro grano de arena, como dice Max Weber…” no solo debemos esperar y anhelar. Debemos hacer algo más. Debemos ponernos a trabajar para descubrir y obedecer el demonio que maneja los hilos de nuestra propia vida.”

Ficha Artística:

Lisandro de la Torre: Edgardo Moreira

Leandro N. Alem: Juan Vitali

Ficha Técnica

Autor: Pacho O´ Donnel
Iluminación: Ariel Bonomi
Música original y arreglos: Bernardo Fingas
Fotografía: Nicolás García Rebón
Maquillaje y caracterización: Daniel Durso y Analía Arcas
Asistente de dirección: Ismael Castro
Dirección general: Gerardo La Regina

Duración: 70 minutos

Funciones: todos los viernes a las 21:00 hs.

Teatro Payró - http://www.teatropayro.com.ar/

San Martín 766, CABA

Tel.: 4312-5922
Entrada $60

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2011-09-27T20:55:00.000-03:00

Mátame de Nuevo

Gerardo Begérez y Marcelo Iglesias

en una impresionante comedia de humor negro de Erika Halvorsen,

sacan a la luz un tema terrible del que pocos hablan

El “síndrome de Münchhausen” se presenta bajo dos formas: una es aquella cuando la persona finge enfermedades o bien se las provoca a sí misma para convertirse en centro de atención. La otra es más terrible, la denominada clínicamente “síndrome de Münchhausen por poder”, que está considerada como una forma de maltrato infantil, y se da en personas que necesitan infligir enfermedades en una persona a su cargo, generalmente menores, para llamar la atención. No es un tema común al teatro, o a la ficción en general.

Marcelo Iglesias

Mátame de nuevo, la excelente obra escrita por Erika Halvorsen, está protagonizada y dirigida por Gerardo Bégerez y Marcelo Iglesias. No es esta la primera vez que estos dos talentos trabajan juntos, pero sí que codirigen. La historia se sitúa en nuestros días, en una familia compuesta por una madre (Marcelo Iglesias), a quien al entrar a la sala vemos sentada en el medio de la escena, cubierta por una gran túnica de la que, una vez ubicada la audiencia, emerge su hijo (Gerardo Begérez) de entre sus piernas para quedar en una posición semejante a la de la “Pietá”, de Miguel Ángel, con sus tres armonías características bien marcadas, con los ejes del cuerpo del hijo, con sus líneas quebradas contraponiéndose a los dobleces curvos y esquinados de la vestidura de la madre, el brazo derecho del joven cayendo exánime y contrapuesto al izquierdo de la madre, lleno de vida y compasión, y los pliegues de su ropa cuyos huecos contrastan en claroscuros que se oponen a las superficies blancas y sobrias del cuerpo de su hijo, emulando el ideal de la belleza del renacer. Y este último punto es muy destacable ya que se opone totalmente al sentido de la obra donde la madre no busca la vida de su hijo sino que su locura ansía su lenta muerte.

Gerardo Begérez

Uno de los detalles más interesantes, es el delirio que presenta la madre, creída que es una Marilyn Monroe vernácula, y que tuvo—durante su infortunada visita a Buenos Aires en 1981—un affaire con Frank Sinatra, y mantiene al hijo convencido que es el fruto de esa relación existente sólo en su fantasía. Según la alucinación de la madre, Alberto—a quien llama “Frankie”—no sólo lo llama con el nombre del fallecido crooner, sino que le repite que en el futuro será el “heredero de su arte”.

Gerardo Begérez

No sorprende que recalque que realmente son impresionantes e inolvidables las actuaciones de Gerardo Begérez y de Marcelo Iglesias, los dos tienen una probada trayectoria en la escena nacional e internacional, tanto en teatro como en el cine. Pero considera que es importante subrayarlas ya que, a mi criterio, son los roles más importantes de sus carreras, por supuesto, hasta el momento, porque, con seguridad, seguirán sorprendiéndonos en el futuro.

Gerardo Begérez - Marcelo Iglesias

También hay que destacar el esfuerzo de ambos al dirigir Mátame de nuevo, una tarea que, imagino, no ha sido nada fácil dada la complejidad de la obra y de sus roles. Ningún detalle queda suelto, la labor de ambos ha sido exhaustiva, y ambos componen dos seres en los que el horror y el sufrimiento se cubren con un humor negro, acido, corrosivo, a veces sarcástico, haciendo un paralelo con el principio básico de lo que en cine se ha dado en denominar “el dogma 95”, o sea, no depender tanto del artilugio, enfocarse especialmente en la actuación, y presentar lo simple haciendo un profundo hincapié en el desarrollo dramático.

Gerardo Begérez - Marcelo Iglesias

El texto de Erika Halvorsen, una joven ya consagrada en la dramaturgia, sofoca con esta situación enfermiza en la que el espectador tiene que darle respuesta a muchos de los interrogantes que surgen de la casi sadomasoquista relación entre madre e hijo, cargada de culpas, frustraciones, celos, amor, odio, y locura, entre otras muchas circunstancias que la autora ha manejado exitosamente.

Gerardo Begérez - Erika Halvorsen - Marcelo Iglesias

Muy acertada la escenografía Leonel Tamayo, que divide la escena en cuatro espacios en los que los personajes, al cruzarlos, van transformándose. Lo mismo sucede con las luces de Carlos Arévalo, que terminan integrándose como un personaje más en la escena. Excelente la selección musical de Berenice Prieto que se adecúa ajustadamente a cada momento del drama. Imposible no mencionar el magnífico trabajo de diseño del vestuario de Martín Sal, diseñado por Pepe y Paco Flores, si bien Gerardo Begérez sólo viste, al comienzo, una especie de pañal, y luego, una bata de hospital, la túnica que luce durante los primeros minutos, Marcelo Iglesias, lo mismo que su vestido negro al mejor estilo Marilyn Monroe, son absolutamente exquisitos.

Gerardo Begérez - Marcelo Iglesias

De esta manera, Mátame de nuevo, no es solamente una gran experiencia teatral, es también una satirización que deja al descubierto un tema muy actual y terrible como el “síndrome de Münchhausen por poder” que, desafortunadamente, es una forma más del abuso infantil, un flagelo social que es tan difícil de combatir.

Marcelo Iglesias - Gerardo Begérez

Un texto estupendo, dos actores brillantes, una fórmula teatral perfecta para ovacionar.

© Osvaldo Sabino, septiembre de 2011

Ficha Artística

Madre/Marilyn Monroe: Marcelo Iglesias

Frankie/Hijo de Frank Sinatra: Gerardo Begérez

Ficha Técnica

Autora: Erika Halvorsen

Diseño de Vestuario: Martín Sal

Diseño de luces: Carlos Arévalo

Diseño de vestuario: Martín Sal

Realización de vestuario: Pepe y Paco Flores

Selección musical: Berenice Prieto

Diseño del espacio: Leonel Tamayo

Diseño de luces: Carlos Arévalo

Voz en Off: Claudio Armesto

Fotografía: Gastohn Barrios

Arte gráfico: Alejandro Persichetti

Asistencia de dirección: Cecilia Rodríguez

Producción ejecutiva: Cristian Calper

Dirección general: Gerardo Begérez-Marcelo Iglesias

Teatro La Comedia

Rodriguez Peña 1062
4815-5662

WEB: http://www.lacomedia.com.ar

Desde el 03/09/2011 al 30/10/2011

Sábado 23 hs.

Entrada general $60

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2011-09-27T20:53:00.058-03:00

O t r o s g r i t o s

Un brillante drama, valiente y necesario,

que presenta a seis mujeres que

“El grito de Alcorta” dejó viudas,

y que en la escena recobran

sus voces olvidadas por la historia

El “grito de Alcorta” fue una rebelión de los pequeños y medianos arrendatarios de tierras cosechables que, en 1912, buscaba reivindicar la rebaja general de los arrendamientos y aparcerías; entregar en las aparcerías el producto en parva como salga; y que los contratos fueran por un plazo mínimo de cuatro años. Comenzó en el sur de la provincia de Santa Fe, y pronto se extendió por toda la zona pampeana. En esos tiempos, los campesinos, europeos en su mayoría, arrendaban el ochenta por ciento de las tierras que cultivaban (actualmente la situación no ha variado mucho, ya que el setenta por ciento continúa arrendando los campos de cultivo). La clase dirigente, a la que los arrendatarios debían rendirle tributo a través de contratos leoninos que los habilitaba a explotar a los agricultores, buscó reprimir esta rebelión. Por supuesto, hubo muertos, aunque la cantidad no fue determinada. Y quedaron las mujeres solas, mujeres que hasta ahora no han tenido una voz, y Otros gritos las rescata de ese olvido.

Las seis son mujeres diferentes, vienen de diversos mundos, pero las aúna el vacío dejado por sus hombres que salieron a luchar por sus derechos en pos de un destino mejor. La excelente dirección de Paula Etchebehere arma un tejido con los seis monólogos que tienen una muy potente fuerza dramática. Si bien estamos frente a seis valerosas mujeres solas, en ningún momento aparecen aisladas en escena, siempre lo hacen bajo el común denominador de la fuerza que adquieren a raíz de su desgracia. Los hombres luchaban contra el sistema, ellas contra la soledad.

Las seis actrices presentan sus monólogos con una fuerza y una entrega absoluta, arrancan sus voces desde lo más recóndito de sus entrañas y se mueven sobre un escenario totalmente desprovisto, lo que hace que sus presencias y sus relatos lleven a la audiencia a ponerle forma a esa escenografía tan ausente como la vastedad de la pampa. La directora consiguió que su elenco de lo mejor de sí para recrear ese universo infinitamente verde y llano de aquel tiempo. Los movimientos de las actrices, su modulación, sus gestos, van marcando la idiosincrasia de cada una de ellas y, a través de la fuerza que emana de la simpleza de la palabra, durante los setenta y cinco minutos que dura el drama, van transformándose en muchas mujeres solas que nunca llegaran a tener una voz.

Silvia Trawier - Romina Michelizzi - Paula Etchebehere - María Forni - María Rosa Pfeiffer -

Maia Francia

Las acompañan un vestuario que habla por sí sólo, diseñado por María Valeria Tuozzo, y el preciso diseño de luces de Magali Acha que constantemente agudiza toda la escena. Y, por supuesto, todos estos hilos se mueven bajo la talentosa mano de una dirección medida pero llena de creatividad, sobre todo en lo visual. En medio de este vacío desbordante, las actrices se lucen en sus diferentes roles desplegando una fiesta de talento. Romina Michelizzi es la que está muerta, Raquel Albéniz es la que sueña con tener un caballo, María Rosa Pfeiffer no puede olvidar que alguna vez mató a un indio, María Forni es la esteril que sueña con poder tener un hijo, Silvia Trawier, interpreta a la que se le murió una muchacha, y Maia Francia, se destaca en el rol de la que reniega de esa soledad y piensa en irse. Todas ellas conforman un brillante elenco en el que no hay altibajos, todas se destacan por igual en su entrega total a Otros gritos. Las autoras, María Rosa Pfeiffer, Laura Coton y Patricia Suárez han concebido un texto que no hace concesiones a la historia, crudo, realista, con una admirable carga de elementos poéticos y, sobre todo, un sentido de unidad que no se alcanza fácilmente en obras colaborativas.

Laura Coton - Patricia Suárez - María Rosa Pfeiffer

Una obra valiente que nos transporta a rincones de nuestra historia que hasta nuestros días han sido ignorados. Otros gritos, además de ser un drama admirable desde todo punto de vista, es la recuperación de esas voces campesinas silenciadas que hasta hoy muchos siguen sin querer escuchar.

Paula Etchebehere (Directora)

Otros gritos

Seis mujeres… vidas que se cruzan atravesadas por un grito de rebelión.
La revuelta campesina construye partes de la historia.

Sinopsis:

El grito de rebelión proclamado en Alcorta, provincia de Santa Fe, el 25 de junio de 1912, fue el comienzo de la huelga agraria. Fue una de las luchas gremiales que, junto a la de los obreros de “La Forestal” y los mártires de la Patagonia, constituye un verdadero hito en las reivindicaciones laborales de los argentinos, en la que un grupo de campesinos inmigrantes, con el apoyo de algunos comerciantes de la zona, decide pelear por sus derechos.

En algunos lugares, la huelga iniciada por los agricultores de Alcorta alcanzó una duración de tres meses, habiéndose plegado a ella alrededor de 100.000 agricultores de la pampa argentina.

Las mujeres que colonizaron el campo, a la par de sus hombres, tuvieron un protagonismo silencioso en este grito. Quedaron a cargo de los campos, mientras los hombres estaban ausentes.

“Otros gritos” intenta una aproximación a diversas situaciones femeninas en esas circunstancias.

Ficha artística:

La que se quería ir: Maia Francia,

La que mató a un indio: María Rosa Pfeiffer,

La que quería un caballo: Raquel Albéniz,
La que no podía concebir: María Forni,

La que se le murió una muchacha: Silvia Trawier,

La que está muerta: Romina Michelizzi

Ficha Técnica:
Autoras: María Rosa Pfeiffer, Laura Coton y Patricia Suárez

Dirección general y puesta en escena: Paula Etchebehere
Asesoramiento en dirección de actores: Raquel Albéniz
Asistencia de dirección: Daniela Martínez
Asistencia técnica: Leilen Araudo
Vestuario: María Valeria Tuozzo
Diseño de luces: Magali Acha
Asesoramiento vocal: Fernanda Lavía
Tema original de apertura y cierre: Lautaro Cottet
Fotografía original: Alejandra López.
Trailer de prensa: Javier Olivera, Fito Pochat
Prensa: Ayni Comunicación

Teatro del Pueblo – Sala Teatro Abierto

Av. Roque Sáenz Peña 943
Por teléfono al 4326-3606
Entradas: $50; Estudiantes y jubilados: $25
Duración de la obra: 75 min

Este espectáculo cuenta con el apoyo del

Fondo Nacional de las Artes y Proteatro

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2011-08-24T16:57:00.000-03:00

OW(Oscar Wilde)

Julio Ordano y un impecable elenco,

consiguen una creación memorable que desafía con éxito a la sociedad victoriana

Enfrentar la tarea de hacer un montaje basado en la tragedia de Oscar Wilde, es un verdadero desafío del que no todos los dramaturgos y directores han logrado salir victoriosos, y muchos pasaron con más pena que gloria. Este no es el caso de Julio Ordano y un impecable elenco que, en conjunto, consiguen una creación memorable.

Enrique Dacal-Edgardo Moreira-Hernán Vázquez.Julio Ordano

Nilda Raggi-Enrique Papatino-Roberto Ponce

El dramaturgo y director optó por recrear el juicio en el que se condenó a Wilde a causa de su conducta homosexual. Para esto, la corte que lo condenó y lo destruyó, los mismos individuos que hasta poco tiempo antes habían lo aclamado, utilizaron, entre otros elementos, sus escritos, poéticos, narrativos y teatrales, y su correspondencia personal. Todo esto agravado por la vida de apariencias impuesta dentro de aquella sociedad victoriana desbordante de hipocresía que en OW queda desenmascarada. Ordano enfrenta esta situación valiéndose de la misma agudeza verbal característica de Oscar Wilde quien, en dicho juicio, tenía como único apoyo a un endeble abogado defensor sin demasiados recursos para enfrentar a un fiscal y a un juez de doble personalidad, y a una serie de testigos de más que dudosa moral.

Hernán Vázquez-Enrique Papatino

Uno de los más poderosos atractivos de la pieza, reside en la reiteración de la lectura de cartas intercambiadas entre Wilde y varios de los personajes que lo rodeaban antes de ser acusado. Con ellas—actuadas por los personajes mismos—Ordano va hilvanando la historia previa que desembocó en el escandaloso proceso, y también le sirven para expresar la conciencia colectiva de una época. Los actores van transformando sus personajes por medio de tan sólo algunos pequeños detalles (ropa, gestos, voces), con lo que dan una absoluta credibilidad a las mutaciones. Enrique Papatino compone un perfecto Oscar Wilde, que tiene todos los tics propios del refinamiento finisecular inglés de su clase social, pero que en ningún momento cae en el afeminamiento. En él, todos los detalles están cuidados meticulosamente, aún la posición de sus pies cuando está sentado, las inflexiones de voz, los movimientos de sus manos, todo nos hace sentir ante una exacta personificación del poeta—probablemente la mejor que he visto. Su actuación conmueve en todo momento sin presentar ningún altibajo que saque al espectador de la magia que emana de su personaje al que nunca vemos como alguien débil, sino un ser absolutamente fiel a sus convicciones y su filosofía de vida.

Enrique Papatino

Lo acompaña un excelente elenco en el que Enrique Decal personifica a un fiscal implacable que emite juicios que ni el mismo los cree pero que son la representación viva de esa sociedad tan represiva de la cual aún nos quedan muchos resabios y, de este modo, le otorga gran actualidad al drama. También juega el rol del amigo más amanerado del dramaturgo inglés, logrando un contraste impecable. Roberto Ponce, compone un endeble abogado defensor cuya figura crece enormemente al presentar su alegato final. Nilda Raggi y Hernán Vázquez, tienen varios roles a su cargo, y se desenvuelven con toda naturalidad interpretando cada uno de ellos con aplomo y soltura.

Edgardo Moreira-Enrique Decal-Hernán Vázquez-Roberto Ponce

Y el reconocido Edgardo Moreira, despliega su inagotable caudal de recursos escénicos creando un juez cargado de ambivalencias, en su persona y frente al caso, justo pero funcionario de una sociedad injusta, homofóbico, aunque por momentos poco convencido de que “ese amor que no osa ser nombrado” sea un delito tan terrible. Sus expresiones, gestos, movimientos, todo es parte integral de un personaje lleno de una clara incertidumbre ante un rol que no está alejado de muchos contemporáneos para quienes lo “diferente” es sinónimo de “peligroso”.

Edgardo Moreira

La escenografía y el vestuario diseñados por Alberto Bellatti, contribuyen al sentido atemporal del drama de Ordano. Con elementos mínimos pero contundentes, consigue ubicar la escena tanto en su período como en la universalidad que trasmite el texto.

Julio Ordano, en sus dos roles de dramaturgo y director, logra imprimirle a OW un compás que no decae en ningún momento, que crece sin estridencias, con un perfecto balance que sólo puede lograrse con una firme dirección, un texto brillante, y un equipo de actores de primera línea.

Julio Ordano

Sinopsis

O W comienza por el final del juicio en el que Wilde es declarado culpable por sus relaciones homosexuales. Se cuelan algunas pinceladas del pasado y del futuro con la irrupción de personajes que van desde la madre hasta desarrapados que viven en las calles, funcionarios, linyeras, jóvenes delincuentes, damas de la sociedad, y otros.

Se va luego al comienzo del juicio, donde se percibe en las conductas de Oscar y su defensor la confianza de que sólo se trata de un trámite por el que hay que pasar. Los diálogos que surgen de los interrogatorios son brillantes, divertidos e inteligentes.

Escenas a que aluden los funcionarios aparecen dramáticamente interrumpiendo y circunstanciando el desarrollo del juicio. Otros momentos, que se transforman en hechos, son apariciones que nacen de la mente del acusado: fantasmas, deseos o pesadillas.

El trámite avanza y poco a poco se van cerrando las vías de escape. El desempeño de Wilde va modificándose y pasando por los diversos estados a que lo conducen interrogatorios a veces insolentes, a veces crueles, pero siempre hábiles. Y se suceden las escenas que los mismos generan y evocan.

Sus amigos intentan eludir el desenlace a que, perciben, conducirá irremisiblemente el juicio, incluso apelando a la fuga. Pero Wilde rechaza la opción. Asistimos a escenas en los muelles, en la cárcel y en la habitación del hotel de Paris, en el que Wilde muere. Volvemos al juicio, a los alegatos y a la condena. En una imaginaria escena final, Wilde, no renuncia a su ser esencial.

¿Fue el juicio el último acto de una vida revolucionaria capaz de hacerse literatura? ¿Una apuesta más por desarmar la hipocresía? ¿Fracasar a lo grande? En palabras de su nieto: “Cuando mandaron a mi abuelo a la cárcel por quebrantar la ley, también privaron a la sociedad de un rebelde”.

Ficha artística:

Enrique Papatino

Enrique Dacal

Edgardo Moreira

Roberto Ponce

Nilda Raggi

Hernán Vazquez

Ficha Técnica:

Dramaturgia: Julio Ordano

Vestuario y Escenografía: Alberto Bellatti

Música original: Sergio Vainikoff

Asistencia de dirección: Anabel Ferreyra, Florencia Rodríguez Zorrilla

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Dirección: Julio Ordano

Duración: 80 minutos

ACTOR’S STUDIO TEATRO

Díaz Vélez 3842

Capital Federal - Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 4983-9883

Web: http://www.actors-studio.org

Entrada: $ 40,00 y $ 20,00 - Sábado - 19:00 hs – Hasta el 27/11/2011

Domingo - 19:00 hs - Del 21/08/2011 al 27/11/2011

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2011-08-11T11:08:00.002-03:00

D e s m e s u r a

un exceso de talentos que,

después de triunfar en España,

aterrizó en Buenos Aires de la mano de

Darío Cortés

Manuel y Pablo son una pareja, y Desmesura es una comedia dramática cuya trama se enfoca en los conflictos diarios de dos personas que se aman y conviven en ese universo de contratiempos cotidianos. Si bien los dos se dedican a diferentes ramas del arte, no es fácil compartir una vida entre dos artistas. Pablo es pintor y Manuel dramaturgo escribiendo sobre una relación lésbica. Y tienen un perro, Renato.

Darío Cortés - Francisco Ortiz

Uno de los elementos más destacables de Desmesura, es que la sexualidad de los protagonistas no es relevante. La obra presenta una realidad con la que cualquier espectador puede identificarse; una situación que quiebra las barreras y hace que las diferencias se esfumen demostrando que el amor es justamente eso, el amor, y las parejas y sus crisis son universales, que hablar de dolor, o de culpa, o del estigma de ser “diferentes”, es algo ya obsoleto. El amor es único, y ya iba siendo tiempo que los escenarios comenzaran a mostrarlo como tal. Y lo interesante de este fenómeno renovador, es que justamente la gente joven, como en este caso, Darío Cortés, es la que lo ve y lo presenta de este modo, no como algo distinto, oscuro, sórdido, sino como lo que son, un componente más de las relaciones humanas. Y esto se pone de manifiesto tanto en la interacción de los dos protagonistas reales, como en la de las ficticias Mía, Luz y Marisa, que viven en la mente de Manuel.

Viviana Suraniti - Alejandra Feudal - Checha Amorosi

Desmesura es compleja en su aparente sencillez, y es precisamente ese elemento lo que hace que sea una obra teatral brillante y que, sin presentar un clásico final feliz, hace que el público salga de la sala y no olvide fácilmente lo que acabe de ser presentado en el escenario.

Checha Amorosi - Viviana Suraniti - Alejandra Feudal - Renato - Darío Cortés

La infidelidad, los problemas domésticos, las inseguridades, son el nudo dramático que le permite a Cortés crear una situación casi cortazariana en la que la ficción y la realidad crean mundos paralelos que colisionan convirtiéndose en uno sólo sin que la audiencia note esa delgada línea que los separa, o sea, el principio más básico del “realismo fantástico”.

Checha Amorosi - Viviana Suraniti - Alejandra Feudal

La vida de Manuel y Pablo es un reflejo de la obra en la que cobran vida Mía, Luz y Marisa (La estrategia del escarabajo) que, como si fueran personajes de Unamuno, cobran vida e, interaccionando directamente con el dramaturgo, reflejan la realidad que él mismo está viviendo, dándole la oportunidad de observar y juzgar, desde un ángulo diferente, la situación que atraviesa, sin permitirle caer en el facilismo del sobredimensionar el drama cotidiano.

Darío Cortés - Francisco Ortiz

Darío Cortés, se presenta en el rol de dramaturgo, director y actor de Desmesura, tres labores nada fáciles en las que se revela como uno de los nuevos talentos de la escena. Todos los detalles han sido extremadamente cuidados. Nada de lo planteado queda sin resolver.

Darío Cortés

Un verdadero hallazgo es la inclusión de Renato que, como un actor más, interactúa con el resto del elenco con los desbordes necesarios que requiere el texto. Francisco Ortiz asume un rol nada fácil del que logra salir con aplausos, y mostrando cómo su excelente capacidad actoral crece con cada nueva interpretación. Checha Amorosi despliega, una vez más, su impecable presencia escénica. Alejandra Feudal tiene a su cargo un rol en el que prevalecen sus más destacables características, la espontaneidad y la frescura. Y Viviana Suraniti compone una tercera que nunca llega a ser la discordia ya que, con mucha habilidad, logra establecer el equilibrio dramático tan necesario en una comedia. Cortés, con una meticulosa habilidad artesanal, ha logrado exponer lo mejor de todo su elenco—en el que está incluido él mismo—en un muy bien aprovechado escenario donde la inteligente escenografía diseñada por Eliana Baillot, permite que todo el elenco se mueva con comodidad.

Desmesura es una comedia actual que conmueve, moviliza, divierte sin apelar a fórmulas obsoletas ni al humor fácil, todo lo contrario, el humor de Darío Cortés surge de las situaciones planteadas sin necesidad de apoyarlo en efímeros gags, y nos introduce en cinco historias cotidianas en las que prevalece la idea de que si analizamos la realidad, la convivencia resultará siempre más llevadera.

Las fotos son gentileza de Eliana Saihueque©

Desmesura

Participó y fue premiada en:

Festival Internacional LGTB, Madrid, 2009

Festival IDEM, Andalucía, Córdoba, 2009

Festival audiovisual LGTB, Málaga 2010

Certamen de Nuevos Creadores, Bilbao, 2010

Premiada en el X Certamen de Teatro San Juan Evangelista, España, 2010

Realizó tres temporadas en Madrid:

Teatro Nudo - Sala DT - Teatro Tis

Sinopsis argumental:

La historia cuenta el proceso creativo de un dramaturgo, Manuel, al escribir una obra sobre tres lesbianas llamada La Estrategia del Escarabajo (Mía, Marisa y Luz). Este momento íntimo en la vida de un creador es llevado a escena, donde intervienen la relación en crisis con su novio pintor, Pablo, su perro Renato y sus ficticios personajes. Esta obra dentro de otra obra habla también de la búsqueda de la verdad en la creación artística, en la pareja, en la identidad sexual. Una historia de personas atrapadas en su intensidad y el sentido de la verdad en la vida y en el arte, que invita al espectador a ponerse en el lugar del otro observando la intimidad de dos parejas que intentan conseguir una felicidad conjunta que no anule la felicidad individual. Una historia búsquedas personales.

Ficha artística:

Checha Amorosi: Mía

Dario Cortes: Manuel

Alejandra Feudal: Luz

Francisco Ortiz Amaya: Pablo

Viviana Suraniti: Marisa

Renato: Renato

Ficha Técnica:

Asistencia de dirección: Julian Luque

Escenografía: Eliana Baillot
Diseño Gráfico y Fotografía: Ezequiel Demaestri
Productor asociado: Adrian García Melo

Producción Comercial y Prensa: Le Frick Argentina
Producción ejecutiva: Vanina Fuentes

Dramaturgia y Dirección: Darío Cortes

Desmesura

http://www.desmesurateatro.blogspot.com/

Teatro El Piccolino - Fitz Roy 2056 - Capital Federal
Teléfonos: 4779-0353
Web: http://www.elpiccolino.com.ar

Entrada: $ 45,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 07/10/2011

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2011-08-11T11:07:00.000-03:00

M a l i c i a

Martín Marcou, con su ya reconocido talento, se sumerge hábilmente en la perversa exageración de la extravagancia de la década del ‘90

Malicia, la nueva obra de Martín Marcou, es una ácida propuesta decididamente divertida, aunque la clave de su éxito reside justamente en que no busca serlo. La malicia emana de los tonos, las poses y de los giros que van tomando las diferentes situaciones nostálgicamente planteada por los personajes que llevan adelante una temática simple que, como la década que evocan, termina cargada de un corrosivo barroquismo.

Macarena García-Richie Guzmán-Sergio Calvo-Checha Amorosi-Julián Mondino-Puchie Labaronnie-Lorena Azconovieta-Gabriel Zuccarini-Yamila González Ajón-Hana Fleischmann-Laura Sepiurka

La acción se desarrolla durante una reunión de familiares y amigos que organiza “Chunchuna” (Puchi Labaronie). En ella reviven las efímeras glorias vividas durante ese período nefasto en el que muchos se enriquecieron a costa de una economía que hoy paga las consecuencias. La consigna esencial es (como era en aquel entonces) una fiesta de “pizza y champagne”. La trama se desarrolla con toques que entrelazan el realismo, el absurdo, la crueldad, el melodrama, unidos por la experta inteligencia y el talento siempre en ascenso de Martín Marcou. Catorce personajes en una habitación de la que no pueden escapar ni de la mirada vigilante de la anfitriona, ni del rencor que habita en ellos mismos. Los invitados son seres que durante aquella década lo tuvieron todo, y que, con el correr del tiempo, sólo les ha quedado la memoria nostálgica de aquellos días.

Macarena García-Richie Guzmán-Sergio Calvo-Checha Amorosi-Javier Schonholz-Hernán Muñoa-Gabriel Zuccarini-Julián Mondino-Yamila González Ajón-Hana Fleischmann-Hebe López-Laura Sepiurka-Puchie Labaronnie

El director ha cuidado todos los detalles: desde lo cromático, ya que todos los colores están íntimamente relacionados con los personajes, hasta la división de roles y sus nombres, que están muy estrechamente relacionados a sus historias. En la trama, todo el elenco se integra exagerando sus pasiones y proponiendo una parodia que produce un distanciamiento con la realidad de sus vidas. De este modo, Malicia logra que la audiencia se identifique, de una manera u otra, con detalles compartidos por todo el tejido del imaginario social. La virulenta mordacidad que Marcou ha volcado en este texto, consigue que todos terminen burlándose de sí mismos, pero buscando reflejar sus condiciones sobre los demás.

Julián Mondino - Puchie Labaronnie - Lorena Azconovieta

La efectiva dinámica de los discursos de Malicia hace que la obra mantenga su ritmo y no decaiga en ningún momento. Las actuaciones son espontáneas, naturales (uno de los sellos distintivos de Marcou), todo el elenco hace suyos a los personajes, los incorpora de manera orgánica resaltando la ácida poesía a la que el autor nos tiene acostumbrados. Un importante detalle a destacar, es la precisión con que se mueven los diálogos, un ida y vuelta altamente dinámico que—a pesar de ser catorce personas en escena—rápidamente nos familiariza con cada uno de ellos logrando que perduren en la mente mucho después de abandonar la sala. Aunque no es fácil conseguirlo, todas las situaciones presentadas terminan resolviéndose artesanalmente.

Macarena García-Richie Guzmán-Sergio Calvo-Checha Amorosi-Javier Schonholz

Una vez más, Martín Marcou está acompañado de un excelente grupo de actores encabezado por dos de sus actrices fetiche: Puchi Labaronnie, en un rol a su medida y al que le saca el jugo en todo momento, y Checha Amorosi, una joven profesional que no deja de superarse en cada nueva entrega. También debemos destacar la excelente actuación de Richie Guzmán, transitando constantemente una fina línea que en ningún momento cae en la ridiculización de un personaje que está siempre moviéndose en el límite. Los mucamos, compuestos por Julián Mondino y Lorena Azconovieta, no sólo se integran el grupo, pero también, desde un costado de la escena, componen una especie de catalizador social—virulentamente irónico—de ese mundo de apariencias y de frivolidades insidiosas. Los discursos que esgrimen los personajes, establecen el compás de esta brillante comedia cargada de mordacidad en la que toda la audiencia encuentra rasgos para identificarse—y de los que pueden avergonzarse—pero que siempre serán vistos proyectados sobre “el otro”. Es importante recalcar que la diversidad sexual ya es un elemento absolutamente integrado en toda la obra de Marcou, y no es una excepción en Malicia.

Checha Amorosi

Richie Guzmán

Julián Mondino - Puchie Labaronnie - Lorena Azconovieta

El inagotable arsenal de recursos de Martín Marcou, tanto en su condición de dramaturgo como así también de director, hace que estas realidades—que en otras manos podrían ser utilizadas sólo para poner distancia con la audiencia—logren movilizar la fibra del público, desnudando descarnadamente el pensamiento reprimido de estos remanentes de ese mundillo que favoreció a unos pocos y hundió a muchos.

Hana Fleischmann-Hebe López-Laura Sepiurka-Hernán Muñoa-Lorena Azconovieta

La obra se complementa con una muy funcional escenografía que se ajusta a la decadencia de la época en la que la memoria de estos seres se ha quedado estancada. También el diseño de luces de Ariel Campos se adapta como un personaje más en la escena. Y, nuevamente, el tema musical que interpreta el talentoso Germán Díaz, encaja perfectamente, lo mismo que la interpretación de otro tema, original, que realiza Hernán Muñoa.

Germán Díaz

Hernán Muñoa

Malicia es un homenaje a todos los que nunca creyeron en ese decadente mundo perecedero que en la Argentina se denominó como el “menemismo”, una justa mirada imparcial de esos desbordes inconscientes de los ‘90s por los que aún seguimos pagando las consecuencias.

Martín Marcou

Una vez más. Martín Marcou, con su Teatro Crudo, sigue demostrando que es una de las figuras más descollantes de la escena teatral contemporánea.

Las fotos son una gentileza de Fher Ghiani ©

Malicia

Dramaturgia y Dirección: Martín Marcou

Ficha artística:

Checha Amorosi: (Georgina - la hija snob)

Gabriel Zuccarini: (Alfaro, el pata de lana de la vieja, el amante joven y borracho)

Hana Fleischmann: (Neneca, la gorda joyera que tuvo todos los negocios en los '90)

Hebe López: (la ex animadora infantil)

Hernán Muñoa: (Daro, el personal trainer, taxi boy, entrenador de famosos)
Javier Schonholz: (Miguel Ángel, hermano de Chunchuna)
Julián Mondino: (Oscar, el mozo)

Laura Sepiurka: (ama de casa castigada, desclasada, amiga de la infancia de Chunchuna)

Lorena Azconovieta: (Olavia, la recién amputada)

Macarena García: (Nata, la modelo que no le da para modelo, que lee a grandes autores)

Puchi Labaronnie: (Chunchuna, la anfitriona)

Richie Guzmán: (Dennis, el inmigrante top, amigo de la hija de Chunchuna)

Sergio Calvo: (José Luis, el marido reprimido de la hija de Chunchuna)

Yamila González Ajón: (Martite, la ahijada huérfana de Chunchuna)

Ficha Técnica:

Asistencia de dirección: Claudia Cuccioletta

Diseño gráfico: Laura Sepiurka
Diseño de luces: Ariel Campos
Fotografía: Leandro Martínez
Maquillaje: Casa Cruda

Música: Germán Díaz

Prensa: Mariano Casas Di Nardo
Vestuario: María Cecilia Jazmín
Video: Gabriela Lacunza-Leandro Martínez

Web: http://maliciateatral.blogspot.com/

Malicia
Teatro La Comedia

Rodríguez Peña 1062 - Capital Federal - Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228
Web: http://www.lacomedia.com.ar/

Entrada: $ 60,00

Jueves - 21:00 hs.

Hasta el 25/08/2011

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2011-06-01T00:10:00.000-03:00

Mundo Fabril

La nueva pieza de Román Podolsky

atrapa a la audiencia desde el mismo momento cuando entra a la sala

No hay nada más alienante que la rutina, más aún cuando no hay posibilidades de hacer algo diferente para matizarla y lograr abstraerse de ella, aunque sólo sea por un instante.

Patrizia Alonso - Hernán Herrero Max Mirelmann-Leticia Torres-Fito Pérez

Las pequeñas historias que nos presenta Podolsky en Mundo Fabril, les serán familiares a muchos de los espectadores. Son relatos superficiales, ínfimos retazos de vidas que pasan sus horas calcadas, y en las que la única variante es la llegada del día de cobro. La obra sorprende y cautiva con su compleja simpleza. Cada personaje cuenta una historia que encierra un universo lindante con la opaca realidad cotidiana. Resulta sorprendente que nada de lo que uno espera aparece en el escenario. El elenco se deshumaniza y pasan a ser piezas de una maquinaria de producción que sólo les permite recordar, por instantes incompletos, su condición natural en la que el amor, el embarazo, la sexualidad, los sueños, las ambiciones, deben ser sacrificados en pos del funcionamiento de ese mundo en el que viven como autómatas la mayor parte de sus días. La fábrica es un espacio en el que todo se fragmenta. El vacío se compone y se descompone por medio de unos paneles móviles que sirven de marco para que—entre movimientos casi robóticos que se repiten hasta sofocarnos—la audiencia vaya descubriendo retazos de esas vidas (o de ese sinvivir) que se frustran en un mundo en el que nada importa, ni los sentimientos que no pueden alcanzar, ni la salud amenazada por la manipulación diaria de materiales tóxicos. El sistema productivo es lo que prevalece sobre todo. Allí los obreros dejan de lado su ser y entran a formar parte del anonimato; piezas de una maquinaria a la que llegan a ver como sus iguales, y a las que les hablan (y de las que hablan) como si fueran seres de delicadeza extrema a los que deben cuidar con la inteligencia y destreza que se aplican en una sala de terapia intensiva.

Mundo fabril es una máquina que funciona a la perfección, un espacio donde el director ha dibujado el movimiento de los actores con trazos muy finos, marcando cada entrada y cada salida con tal pericia, que ese mundo irreal termina cargado de verdad. No sólo por el texto y la dirección impecable de Román Podolsky, pero también por el estupendo equipo que lo acompaña.

Claudia Zima - Leticia Torres - Lorena Viterbo - Magdalena Usandivaras - Valeria Borges

Mayra Bonard ha creado una hipnótica coreografía, armada en base a una dura combinación de movimientos repetidos. El espacio es aprovechado en todo su potencial gracias a la escenografía transportable de Alejandra Polito, que se funde dramáticamente con las luces diseñadas por Matías Sendón. Todo esto está enmarcado por la creación musical de Federico Marrale que, con compases exasperantes, crea ritmos casi táctiles de ese mundo deshumanizado, y con ellos, complementa poderosamente varios pasajes de la puesta.

Fito Pérez - Patrizia Alonso

Leticia Torres - Lorena Viterbo

Valeria Borges - Diego Martín Rinaldi - Hernán Herrera

Todo el elenco de Mundo fabril, es parejo y se destaca con sus actuaciones que arrancan de situaciones estáticas semejantes a fotografías de rostros que de tanta inexpresividad logran transmitir todos los sentimientos que buscó expresar el autor. Con sus intervenciones, Leticia Torres¸ con mucha fuerza, lleva adelante cierto hilo argumental. Diego Martín Rinaldi, con su probada habilidad actoral, compone un personaje algo maniático, un tanto avergonzado de tener que ir a buscar trabajo en una fábrica, y en una escena comparte con Fito Pérez (muy balanceado en su rol de dirigente sindical), mostrándose esquivo, y escondiendo su sexualidad aparente. Patrizia Alonso, interpreta un difícil rol en el que los silencios la obligan a desplegar todo su inagotable caudal histriónico, ella es “la tercerizada”—algo que repite en cada una de las oportunidades que le toca hablar—y, como tal, observa las diferentes situaciones juzgando con su expresión, pero desde los silencios. Y Lorena Viterbo, que recrea una magnífica “Lili”, la joven que, con su descaro, se atreve a romper algo de esa agobiante rutina fabriquera; la frialdad de sus gestos y el hielo de su mirada, logran penetrar a la audiencia.

Con su rigurosa dirección, Román Podolsky ha logrado una obra universal, sin espacio ni tiempo, observando detrás de un cristal un espacio pocas veces frecuentado en el teatro contemporáneo, y lo retrata a través de la exposición del mundo interior que pueden manifestar los obreros durante sus breves intervalos de descanso, cuando momentáneamente dejan de ser máquinas y, por unos pocos minutos, recuperan una mínima porción de su humanidad. Dentro de esos pequeños mundos que alcanzamos a espiar, se combina lo habitual, la inseguridad, la incertidumbre, la frustración, la angustia contenida y, sobre todo, la desilusión. Lo que presenta Podolsky en Mundo fabril, es un mundo donde la realidad aflora desde la nada, no importa en qué momento, sólo cuenta que estos personajes se repiten y se multiplican como espejos en nuestra sociedad, y con ellos nos conmociona a todos crudamente.

Román Podolsky

Mundo fabril forma parte de la realidad cotidiana de un gran segmento de la población mundial, y por más que vivamos en mundos (que creemos) diferentes, no podemos apartarnos de la amarga verdad que impone ese mecánico universo deshumanizante de las rutinas.

Fotos: Gentileza de Juan Borraspardo ©

Elenco

Patrizia Alonso: Helena Hernández

Valeria Borges: Laura Érica Pantano

Ramiro Echevarría: Esteban

Hernán Herrera: Mario Aguilar

Max Mirelmann: Kuli

Rodolfo Perez: Juanca

Diego Rinaldi: Héctor Díaz

Leticia Torres: Ester Campello

Magdalena Usandivaras: Gisela Páez

Lorena Viterbo: Lili

Claudia Zima: Cordobesa

Ficha Técnica

Escenografía y Vestuario: Alejandra Polito

Diseño de Iluminación: Matías Sendón

Dirección Coreográfica y Colaboración Creativa: Mayra Bonard

Musica: Federico Marrale

Prensa: Duche & Zarate

Producción Ejecutiva: Lisandro Colaberardino

Asistencia de Dirección y Fotos: Juan Borraspardo

Dirección: Román Podolsky

Web: http://mundofabril.blogspot.com/

TEATRO DEL ABASTO - Humahuaca 3549 - Capital Federal

Reservas 4865-0014

http://www.teatrodelabasto.com

Precio de las localidades: $40 - Lunes 21hs

© Osvaldo Sabino, Buenos Aires, Argentina, abril de 2011

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2011-05-30T12:33:00.004-03:00

Edda Díaz

Este es el día de visita,

compone un personaje de tal claridad emocional

—y exactitud clínica—

que logra que nos duela mirarla

Edda Díaz

Este es el día de visita es un drama en el que, a través de relatos que surgen de los apuntes que Silvia Uber (Edda Díaz) fue tomando a lo largo de su vida, comienzan a abrirse una cantidad de interrogantes que los personajes que la rodean irán desvelando. Con ellos, el “médico psicoanalista” (Diego Horn) y la paciente, se afanan para reconstruir una vida destruida a causa de la relación que mantuvo con su familia. En realidad todo sucede en la mente de la protagonista quien refleja en los internos del hospital neuropsiquiátrico a cada uno de sus parientes. Sólo por la vergüenza que expresan los rostros de la familia, cuando finalmente aparecen, podemos confirmar que son una realidad y no una alucinación de Silvia. Mediante los relatos que surgen de la lectura de su autobiografía, la audiencia va enterándose de quién es la paciente y cómo fueron los hechos que la condujeron a ese cuadro clínico.

Rodolfo Rodríguez - Edda Díaz - Nora López

La pericia de los once actores que acompañan a Edda Díaz, contribuye a la comprensión de la puesta. Durante la lectura del texto, los internos toman, en la mente de la escritora, el lugar de la familia de la que se ha alejado en su adolescencia y a la que no ha vuelto a ver. A través de estos momentos que son recuperados por la mente del personaje, nos encontramos con una madre egoísta, celosa de sus hijos, a los que oprime hasta ahogarlos culpándolos porque por haberlos tenido a ellos no ha logrado continuar con su carrera en la danza, el padre, lejano, ausente, la hermana conformista y, su marido, un experto en aprovecharse de la familia y de las situaciones, una hermana “desaparecida”, un hermano dominado por la madre, y convencido de haber asesinado a un amigo de la infancia, y una media hermana con la que viven un romance. Con estos personajes, Silvia intenta reconstruir su vida y la relación que mantuvo con su familia.

Aníbal Brito- Carlos Aguilar-Ema Visini-Soledad Cichilli-Maxi Pereira- Gastón Biagioni

A través del relato de diversos momentos de su crecimiento, vamos enterándonos de la interacción de la familia Uber. Y muchas líneas comienzan a abrirse creando interrogantes que irán siendo desvelados a medida que avanza la acción y la condición clínica de Silvia Uber. La acción transcurre en un neuropsiquiátrico donde un psicoanalista parece mantener una sesión corriente con la que en principio aparenta ser una paciente más. Pero, a medida que avanza la pieza, Silvia Uber va mostrando más y más signos de la situación mental que la aqueja. La escena se mueve en varios espacios que son aprovechados plenamente a pesar de que no están delimitados y van superponiéndose e intercambiando sus funciones: el consultorio, el hospital, la casa familiar, una calle y la casa de un escritor. Si bien la escenografía es mínima, estos ámbitos cobran vida en el relato de la protagonista. El talento de Edda Díaz para ir reconstruyendo la historia, logra dibujar estos espacios que aparecen y desaparecen casi fantasmalmente movidos por la narración y las luces.

Edda Díaz

La buena tarea de coral del elenco de Día de visita, sostiene la intrincada trama con fuerza y va respondiendo los interrogantes que se plantean desde el comienzo. En especial es necesario destacar la labor de Rodolfo Rodríguez que, en su rol de enfermero psiquiátrico, se pasea por la escena con una naturalidad casi fantasmal, invisible, cambiando las cosas de lugar de manera muy sigilosa. Además, debemos enfatizar la labor de Aníbal Brito, que tiene a su cargo el doble papel de un interno y de Eric, el hermano de Silvia Uber, y los desarrolla con gran histrionismo y una excelente voz cargada de matices y tonos. También Ema Visini, que interpreta a la madre, Isidora/Elvira, una mujer desbordada por el delirio y su egoísmo desenfrenado hacia sus hijos.

Rodolfo Rodríguez - Edda Díaz

Por supuesto, el peso mayor de la obra recae sobre Edda Díaz que realmente deslumbra en este rol dramático en el que tiene la oportunidad de desplegar todo su arte. Tiene momentos en los que aparece la gran comediante a la que estamos acostumbrados a ver. Sin embargo, esos instantes son sólo un preámbulo a la tragedia que va generándose vertiginosamente, la revelación del mundo interior de una mujer desesperada por sufrir el rechazo a causa de su condición sexual. Edda Díaz en Día de visita, demuestra todo su potencial escénico desplegando su panoplia de recursos inagotable, con lo que hace de Silvia Uber un personaje de tal claridad emocional—y exactitud clínica—que logra que nos duela mirarla. Su actuación en Día de visita no es una más, es casi un símbolo de la necesidad de no bajar los brazos, de no olvidarse del placer, del propio y del de los otros, y logra todo esto y mucho más en esta comedia dramática en la que está presente en el escenario durante todo el desarrollo de la pieza. Su capacidad actoral consigue mantener a la audiencia completamente seducida sin que el interés decaiga en ningún momento. Esta ha sido una gran oportunidad para que Edda Díaz pudiera desplegar, una vez más, todo lo que ha venido acumulando a lo largo de su exitosa carrera teatral.

Ana Cestoni-Romina Gil-Carlos Aguilar-Ema Visini-Gastón Biagioni-Soledad Cichilli-Aníbal Brito-Nora López

Día de visita es una tragicomedia que no decae en ningún momento, en la que el espectador debe estar atento a todos los movimientos, gestos, tonos y, sobre todo, a cada cambio que efectúan los personajes que son muy proteicos, como la mente febril de esta escritora lesbiana que nunca ha podido asumir el rechazo de su familia, el abuso de los hombres (incluido su padre), la pérdida del amor juvenil, o la desaparición de su hermana. La mayoría de los elementos individuales que se aúnan en Día de visita habilitan, en todo momento, una identificación muy amplia con todos los niveles de públicos, y con esto logra que ningún espectador salga decepcionado. El texto implica una invitación a reflexionar acerca de lo sencilla que pudiera ser la vida si lográramos entendernos un poco más sin dramatizar la libertad de quienes nos rodean. La dirección de Néstor Zacco y el texto de Juan Crespo, presentan una acertada combinación.

Néstor Zacco

La actuación de Edda Díaz al frente de este destacable elenco, es una experiencia imborrable para la audiencia. A pesar de su grandeza, siempre seguimos esperando más de esta Artista tan “orgullosamente humilde”.

© Osvaldo Sabino, Buenos Aires, mayo 2011

Ficha artística

Edda Díaz es Silvia Uber

Carlos Aguilar: Al capone - el padre
Gastón Biaggione: Elvio - ramón ”Elvis”
Aníbal Brito: Eric - asesino
Ana Cestoni: María - militar
Soledad Cicchilli: Katty - Viviana
Romina Gil: Silvia joven
Diego Horn: psicoanalista
Nora López: Dora - enfermera
Maxi Pereyra: Silvia máscara - Kurt
Rodolfo Rodríguez: psiquiatra - enfermero
Ema Visini: Isidora - Elvira

Ficha técnica:
Autor: Juan Crespo

Dirección, adaptación y escenografía: Néstor Zacco

Diseño del vestuario de la Sra. Edda Díaz, Romina Gil y Maxi Pereyra: Gustavo Alderete
Realización de vestuario: Nora López, Ema Visini y Soledad Cichilli
Utilería y mobiliario: Romina Gil y Maxi Pereyra
Fotos: Julio Solís Arias - Javier Fuentes
Cámara y audiovisual: Piedad Granja Galeano
Diseño gráfico: Paul Caballero para “Quiub”
Gestión de producción: Carlos Aguilar, Ana Cestoni y Gastón Biaggione
Asistente de dirección: María Magdalena Becerra

Producción ejecutiva: Juan Bautista Britez (Contacto: 4282-9331 / 15-4939-0992
www.pressenta.com.ar )

Prensa: Alicia Nieva para “Octavia”, 4781-2231 / 15-3214-1417
www.octaviacultura.com.ar

Difusión: Diego Horn, Aníbal Brito y Rodolfo Rodríguez

Viernes, 20:30hs.
Teatro “La Tertulia”, Gallo 826, (casi esquina Tucumán) Abasto

Web: http://www.latertulia.on.to
Plateas: $50

Reservas: 6327-0303 (descuento a estudiantes y jubilados)

Elenco de Este es el Día de Visita

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2011-05-10T16:37:00.003-03:00

S e a l q u i l a , c o n u n a c o n d i c i ó n

Diego Casado Rubio vuelve a conmovernos

con una comedia dramática característica de nuestros tiempos

Emiliano Dionisi Estela Garelli Chela Cardalda

Indudablemente, después del éxito de Es inevitable, la puesta de esta nueva obra, Se alquila, con una condición, representaba un riesgo muy grande. Sin embargo, la meticulosa habilidad y el talento de Diego Casado Rubio, le permitieron superar artesanalmente el reto. En principio porque el autor/director ha desarrollado una labor de orfebre sobre los modismos y el lenguaje que emplean cada uno de los personajes, entramando un material simple, que va transformándose por medio de una rica fonética a través de la que los actores hacen un despliegue vocal de sorprendente riqueza. Los cuatro personajes, Ramona (Chela Cardalda), Lucía (Estela Garelli), Amador (Emiliano Dionisi), y El relator (Rodolfo Valss), aportan una excelente veta filosófica que nos hace reflexionar sobre sus, aparentemente cotidianas conductas. La obra muestra cómo sus sentimientos se reflejan de un modo profundo sobre las decisiones personales. También, cómo esas decisiones los hace responsables de sus soledades: todos ellos son libres de optar ante diversas posibilidades de vida. Y en Se alquila, con una condición, lo que prevalece es el deseo personal.

Estela Garelli-Chela Cardalda-Emiliano Dionisi

Emiliano Dionisi-Chela Cardalda-Estela Garelli

La nueva obra de Casado Rubio, tiene un importante punto a favor: es una clara fiesta de actuaciones. Estela Garelli, Chela Cardalda, Emiliano Dionisi, y la voz en off de Rodolfo Valss, están simplemente sobresalientes en cada una de sus creaciones.

Rodolfo Valss

Garelli aporta sus prodigiosas máscaras escénicas que son capaces de sobrepasar cualquier límite actoral, potenciando constantemente las escenas con la expresividad de cada uno de sus gestos y movimientos. Cardalda, con su consabida experiencia, compone una “lala” (abuela) que, por momentos, es la que todos hemos soñado. Dionisi se luce con una rica mixtura de actuación y danza. Y la voz en off de Rodolfo Valss presenta los tonos exactos para marcar las constantes transiciones de la obra.

Estela Garelli

Diego Casado Rubio ha cuidado todos los detalles de esta pieza que combina teatro, música, danza, canto y cine, garantizando que todo transcurra con mucha transparencia y con la intensa dinámica que exige el texto. También ha puesto especial atención en cuidar los contrastes, las posibles discordancias que pudieran surgir al pasar de lo cómico a lo dramático. El cierre de Se alquila, con una condición, después de que recorre muchos de los posibles vericuetos de la soledad de estos seres, es desvelado con sutil maestría, y está hermosamente impregnado de una profunda suavidad y una tierna carga de nostalgia que conmueve a la audiencia. Aunque, es interesante destacar que, más allá de todos estos logros como realizador, su mayor agudeza reside en haber aprovechado los resultados de estimular a su elenco con una manifiesta y hábil mano profesional que extrae lo mejor de cada uno de ellos. Además, la fuerza de sus imágenes visuales (las proyecciones que vemos son de su propia factura), complementan y refuerzan el dibujo de cada situación que atraviesan sus personajes.

Chela Cardalda-Estela Garelli

Ariel Vaccaro ha resuelto la escenografía con mucha pericia diferenciando cada espacio en el que se desarrollan los diferentes escenarios que presenta la pieza. Lo mismo sucede con el diseño de luces de Leandro Fretes y Jimmy James que dan los tonos exactos para balancear el texto. La “Rumba Ramona”, compuesta e interpretada por Miguel Magdalena García “Peri”, es un hallazgo muy destacable que acompaña al texto con gran vibración de una excelente voz.

Emiliano Dionisi

Se alquila, con una condición, es una obra conmovedora, con escenas de una gran fuerza visual, original y profunda, y cuenta con excelentes actuaciones. Un gran esfuerzo colaborativo que no decepcionará a ningún espectador.

Fotos: Gentileza de Juan Borraspardo ©

Se alquila, con una condición

Autor y Director: Diego Casado Rubio

La familia ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.
Un viaje sensorial, cinematográfico y teatral por las perversiones cotidianas de una familia. Como la 'sal al guisao' me estás haciendo falta. Las perversiones dejan de serlo cuando se cuentan, la intimidad es más sincera cuando se muestra. ¿Se puede sentir pena por algo que nunca pasó? El amor es como cuando comés sopa, a veces, te deja un vacío insoportable. Esta es la historia de Ramona, Lucía y Amador: una familia. Emigrantes de su propia soledad viviendo en una casa en la que para ver el espectador tendrá que espiar, para avanzar tendrá que dejarse llevar por el tiempo y hasta sumergirse en el agua. Sin miedo y con una única condición. Como diría Ramona: “todos dejamos de estar solos en algún momento”.
Una historia de familia, flamenco y felicidad, las tres “efes” de la combinación perfecta.

Se alquila es cine y es teatro

Ficha Artística

Chela Cardalda: Ramona
Estela Garelli: Lucía
Emiliano Dionisi: Amador
Rodolfo Valss: Relator

Ficha Técnica
Asistente de Dirección: Juan Borraspardo
Escenografía: Ariel Vaccaro
Vestuario: Vessna Bebek
Realización de vestuario: Nancy Murena
Iluminación: Leandro Fretes y Jimmy James
Música original, diseño y postproducción de sonido: Diego Menge
Coreografía: Fabiana Pouso
Diseño y realización de la bañadera: Nicolás Botte
Asistente general: Marina Rosetti
Creación y realización audiovisual: Diego Casado Rubio
Fotografía: Juan Borraspardo

Diseño Gráfico y Web: Diego Casado Rubio
Producción Ejecutiva: Juan Borraspardo
Prensa: Carolina Alfonso
Producción: El Principito Producciones
Tema final: “Rumba Ramona”,

compuesto e interpretado por Miguel Magdalena García, “Peri”

http://www.sealquila.com.es/

La carbonera - Balcarce 998 - Capital Federal
Reservas: 4362-2651

Entrada: $ 40,00 y $ 25,00

Sábados - 21:00 hs - Hasta el 02/07/2011

Esta obra cuenta con el apoyo de: INT, PROTEATRO y CCEBA-AECID

(Centro Cultural de España en Buenos Aires).

© Osvaldo Sabino, Buenos Aires, Argentina, mayo de 2011

2011-05-04T19:55:00.004-03:00

L o s I n v e r t i d o s

Una excelente puesta de Mariano Dossena.
Supera todas las polémicas generadas por esta tragedia de clase.
Moviliza y emociona trascendiendo la doble moral
y el discurso encubierto de nuestra sociedad

Cuando hablamos de una obra temática clásica que a raíz de las controversias que ha desatado desde su estreno—hace ya casi cien años, en 1914—lo primero que nos viene a la mente son las dificultades que puede presentar su puesta. Las preguntas y las dudas se suman de manera rápida. Dados los progresos y los cambios sociales que ha producido el paso del tiempo, el riesgo es muy alto. Sin embargo éste no ha sido el caso en el nuevo montaje de Los invertidos, la obra de José González Castillo, que tanta polémica causó en su fallido intento de debutar en 1914 (Cabe recordar que por ese entonces, era aún relativamente reciente el escándalo de Oscar Wilde acusado de “sodomía”, y la frase de un poema de Lord Alfred Douglas que se utilizó en el juicio, “el amor que no se atreve a decir su nombre”). Después de haber visto esta puesta de Mariano Dossena, no nos quedan dudas de que Los invertidos, fue un drama de avanzada para aquel momento histórico.

Fernando Sayago-Gustavo Pardi-Maia Francia

El conflicto no se centra exclusivamente en la temática de la homosexualidad trágica como era vista en aquellos tiempos cuando aún se empleaban términos hoy obsoletos, como “manfloro”, “maricón”, “sodomita”, “puto”, “invertido”, “pecador”, “enfermo”, o simplemente “delincuente”, sólo por practicar “el pecado nefando”. Es más un tratamiento de la situación desde la óptica de seres que provienen de los diversos estratos sociales que representan cada uno de los personajes. González Castillo presenta un variado tapiz que va desde la aristocracia más rancia (El Dr. Pérez—Gustavo Pardi—Clara—Maia Francia—su esposa, y sus hijos, Julián—Emiliano Dionisi—Lola, Margarita Lorenzo), dos bon vivants (Pérez—Fernando Sayago—y Fernández—Gabriel Serenelli—y Emilio—Alejandro Falchini), de la misma esfera, pero de un escalón menor, una mucama (Petrona—Elsa Espinosa), que es como una propiedad de esa familia a la que ha servido toda su vida, un servil mayordomo inescrupuloso (Benito—León Bara), que busca escalar vendiéndose a cualquier precio, y dos travestis (Juanita—Emiliano Dionisi—y Princesa—Daniel Toppino), marginales que no tienen nada que perder. Cada uno de ellos nos da, de un modo u otro, su opinión acerca de la homosexualidad. A pesar del siglo transcurrido, Los invertidos sigue siendo un drama que no ha perdido actualidad, ese mundo cerrado, en el que la apariencia y la hipocresía valen más que la verdad, todavía hoy, en 2011, continúa siéndonos familiar en muchas esferas y disfrazado de diferentes formas. Los conceptos “higienistas” post victorianos—tan comunes a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX—no han sido abandonados por una porción de nuestra sociedad contemporánea, en especial en aquellos que siguen aferrados al conservadurismo religioso. Sin embargo, la visión que muestran los representantes de las clases más bajas, se oponen diametralmente a los de los aristócratas. Para Petrona la homosexualidad es moneda corriente, no la ve con los mejores ojos, pero tampoco le molesta. Benito—una especie de Lazarillo de Tormes en su filosofía—está más interesado en escalar que en preocuparse por quiénes ocupan la cama de su patrón, y por unos billetes, sería capaz de venderlo sin dudar. Juanita y Princesa, las travestis, saben perfectamente que sólo pueden disfrutar el momento, lo que la vida les pone delante, son seres atrapados en la marginalidad que los posiciona su condición, y lanzan comentarios ácidos contra todo, aún contra ellas mismas. En cambio, los personajes de clase, encabezados por el Dr. Florez, llevan una doble vida cargada de infelicidad.

Alejandro Falchini-Daniel Toppino-Fernando Sayago-Maia Francia-Gustavo Pardi-Emiliano Dionisi

Elsa Espinoza-Margarita Lorenzo-León Bara-Gabriel Serenelli

Los detonantes de estas ambigüedades, recaen en dos de los personajes. Por un lado está Clara, que juzga y condena hasta las últimas consecuencias, sin importarle que también está hablando de sí misma. Por otro, tenemos a Fernández quien, sabiendo y asumiendo que le han dicho la verdad, pretende defender su honor en un duelo.

Fernando Sayago-Gustavo Pardi-Gabriel Serenelli-León Bara

Los invertidos, presenta una resolución escénica altamente funcional. Aprovechando las dimensiones de esta amplia y bien equipada sala, “El Extranjero”, Nicolás Nanni ha dividido la escena en dos espacios: la austera oficina del Dr. Florez, dominada por una ventana desde la que las luces de Claudio del Bianco dan las diferentes tonalidades de cada escena que se reflejan en un espejo de marco dorado, y la garçonnière de Pérez, auténtica hasta en el detalle de una gran reproducción del cuadro de 1850 de William-Adolphe Bouguereau, “Dante y Virgilio en el infierno” que, como estos dos personajes, parecieran estar observando, sin juzgar, la escena de los pecadores impulsados por los demonios. También el diseño de vestuario es de Nicolás Nanni, y se ajusta muy bien a la época.

Gustavo Pardi Fernando Sayago

Emiliano Dionisi Daniel Toppino Alejandro Falchini

Bajo la meticulosa dirección de Mariano Dossena, todo el elenco logra brindar actuaciones impecables, medidas y muy parejas. Sin embargo, se impone un párrafo aparte la brillante labor de Maia Francia (una actriz que nunca deja de admirarnos), cuya transformación escénica—con sus movimientos que van desde la esposa sumisa que flota alrededor de su marido, a la seductora-seducida que intenta avivar su fuego interior en los brazos del hombre equivocado, a la locura final de la tragedia—demuestra un poder y una contención, profundamente profesional que crecen a lo largo de Los invertidos, sin caer en ningún momento en el melodrama. También Gabriel Serenelli quien, en un rol secundario, logra una excelente composición de “Fernández”, un cajetilla hipócrita en el que se aúnan todos los vicios que expone la tragedia de González Castillo.

Maia Francia

Los Invertidos, es un drama plenamente logrado. En las hábiles manos de Mariano Dossena y de su equipo, ha conseguido, finalmente, transformarse en un clásico de plena vigencia. Sin duda, la puesta tiene muchos elementos de la vida contemporánea con los que los espectadores podrán fácilmente involucrarse, tanto intelectual como emocionalmente, con esta gran tragedia argentina.

Mariano Dossena

Elenco

Pérez: Fernando Sayago

Dr. Florez: Gustavo Pardi

Clara: Maia Francia
Julián /Juanita: Emiliano Dionisi

Emilio: Alejandro Falchini

Princesa: Daniel Toppino
Petrona: Elsa Espinoza
Benito: León Bara
Fernández: Gabriel Serenelli

Lola: Margarita Lorenzo

Ficha técnica

Autor: José González Castillo

Música Original: Diego Lozano
Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni

Diseño gráfico: Andres San Martin

Diseño de luces: Claudio del Bianco

Diseño y arte Blog: Ariel Li Gotti

Fotos: Juan Borraspardo

Prensa: Silvina Pizarro

Asistencia de Producción: Tony Chávez

Asistencia de Dirección: Paula Galván

Producción: Pablo Silva

Dirección General: Mariano Dossena

Web:

http://www.losinvertidos.com.ar

El extranjero - Valentín Gómez 3378 - Capital Federal.
Teléfonos: 4862-7400
Web: http://elextranjeroteatro.blogspot.com

Precio de las localidades: $ 40,00 y $ 30,00 - Sábado - 23:00 hs.

Año 1914, Buenos Aires. Una familia adinerada es sacudida por la revelación de la doble vida sexual de Flórez, padre y marido, con su íntimo amigo de la infancia, Pérez, quien tiene un bunker donde los invertidos de la época pueden desplegar su oculto mundo femenino. Clara, esposa de Flórez, es el vértice de un triangulo trágico a través del cual esta historia de amor, entre hombres, lleva a los personajes a desnudar sus pasiones más ocultas.
Lo prohibido y lo que no puede “ser visto”, este vínculo conduce irremediablemente, a los personajes, a la tragedia.

“Dante y Virgilio en el infierno”, de William-Adolphe Bouguereau, 1850

2011-04-06T22:50:00.008-03:00

Me imagino que vendrás acompañado,

la nueva obra de Julián Arenas:

una comedia divertida, realista, fresca y renovadora

Finalmente podemos empezar a disfrutar libremente de los cambios que se han operado en la sociedad argentina. Hasta ahora, el teatro siempre se enfocó en las secuencias más dramáticas del mundo queer. Sin hacer mucho esfuerzo, podemos pensar en una larga lista de obras cuya temática siempre estuvo enfocada en las situaciones más tremendistas, o bien en lo grotesco, la ridiculización para provocar la risa fácil. Por suerte—y para satisfacción de todos, al menos en nuestro país—esta situación empieza a cambiar rápidamente. Este giro vio sus primeros pasos hace no mucho tiempo, y durante la temporada pasada (2010) fue haciéndose más notoria en las carteleras donde pudimos ver más piezas en las que la comunidad homosexual comenzó a ser representada lejos de los estereotipos trágicos o cómicos a los que el público estaba tan acostumbrado.

Este año ha comenzado la temporada teatral, y en lo que a temática queer se refiere, se inaugura con una divertida comedia realista, Me imagino que vendrás acompañado, que muestra, al mismo tiempo, una profunda lectura social. Su autor, Julián Arenas—quizá por primera vez—invita a la audiencia en general, a conocer qué es lo que pasa durante una reunión de cuatro amigos gay. Tal vez lo más interesante que presenta el texto es la inversión de la realidad, o sea, las dificultades de estos jóvenes que deben adaptarse al nuevo orden social en el que, afortunadamente, nos toca vivir. A diferencia de lo que venía sucediendo hasta la actualidad, son ellos quienes no alcanzan a comprender a sus padres que los tratan integrando su homosexualidad de manera corriente, que esperan que asistan a sus fiestas acompañados por sus novios o sus maridos. Este es un planteo al que, a muchos miembros del colectivo LGTTBI, les llevará un tiempo adaptarse.

Julián Arenas

Arenas, en su comedia, Me imagino que vendrás acompañado, nos enfrenta con cuatro personajes contemporáneos, a los que ha delineado con gran maestría y cuidado. Todos ellos resultan totalmente familiares a cualquier gay, y también, por qué no, a la mayoría de los espectadores en general. La trama se desarrolla en medio de una reunión de la que muchos pueden sentirse participes, ya que casi todos han vivido un momento similar. Y para los heterosexuales es toda una experiencia en la que pueden comprobar que las diferencias entre ambas culturas son apenas perceptibles, y muy alejadas de todo lo que la mitología popular ha venido creando y creyendo desde hace tanto tiempo. Este es un relato que se desarrolla entre tragos, bromas y un porro que pasa de mano en mano. Los personajes—Pedro, Lean, Juan y Fede—están en la casa de Juan que los ha invitado para que evalúen al “chico de alquiler” que, para satisfacer a su familia, ha contratado para llevar como acompañante a la fiesta de aniversario de sus padres, quienes insisten que debe ir con su novio, del que se ha separado (de allí el título). Esto sirve de disparador para que cada uno de ellos se muestre tal cuál es, y para que expresen cómo se sienten ante la nueva idiosincrasia social. Al mismo tiempo, cada uno de los personajes mostrará abiertamente sus sentimientos, hablando con honestidad acerca de sus propios fantasmas.

Los cuatro actores que integran el elenco de Me imagino que vendrás acompañado, Francisco Ortiz, Guillermo Forchino, Nicolás Bolívar, y Julián Arenas, mantienen un muy buen nivel actoral, y todos se destacan en sus roles en un mismo logrando darles credibilidad y fuerza a la comedia introduciéndose en la piel de sus personajes, y cuidando hasta los mínimos detalles de estos jóvenes tan diferentes.

La coreografía, de Nicolás Bolívar, juega un rol muy destacable, y cualquier espectador podrá reconocer e identificarse con sus movimientos, sin tener que sentirse incómodos dado que en ella se ha eliminado cualquier elemento grotesco a los que tanto nos tenían acostumbrados hasta ahora (tanto en el teatro, como en la televisión y el cine). Debemos destacar que Bolívar, es bailarín y coreógrafo.

La escenografía, creada colectivamente por el director y el asistente de dirección (Ariel Sández), es muy funcional y adecuada para la acción. La dirección de Mario Luis Marino, tiene una buena coordinación, equilibrio escénico, con lo que hace que la obra se desarrolle con total fluidez, y se ajuste al libro de Julián Arenas.

Nicolás Bolívar Francisco Ortíz Guillermo Forchino

Me imagino que vendrás acompañado es una comedia realista, fresca, renovadora, que divierte y, al mismo tiempo, hace pensar, ya que marca un nuevo rumbo en lo que a temática teatral se refiere, liberando a la escena de imágenes tan detractoras como las que presentaban en su momento obras como The boys in the band, de Mart Crowley (El extraño clan), que reafirmaban los estereotipos que se pretendían implantar en el pensamiento colectivo. El texto de Arenas nos enfrenta con la falta de límites de la verdadera Amistad, derribando todos los obstáculos que el destino puede poner por delante. Ningún espectador saldrá de la sala sin sentirse identificado con estas situaciones y con los cuatro personajes.

Ficha Artística

Pedro: Julián Arenas
Lean : Nicolás Bolívar
Juan : Guillermo Forchino
Fede : Francisco Ortiz
Voz de la madre: Sandra Antman

Ficha técnica:
Autor: Julián Arenas
Dirección: Mario Marino
Coreografías: Nicolás Bolívar
Styling: Robinson Oberti
Diseño gráfico: Lucía Molina y Vedia
Fotos: Sol López
Prensa: Juan Bautista Britez (info@pressenta.com.ar)
Asistente de dirección: Ariel Sández
Producción: Entre Tipos
Contacto: entretipos@hotmail.com

ME IMAGINO QUE VENDRÁS ACOMPAÑADO - ENTRE TIPOS VOL. 1
De Julián Arenas - Dir. Mario Marino
SÁBADOS 23HS. - Teatro LA TERTULIA, Gallo 826 - Abasto - CABA
$40 - Reservas: 6327-0303 Descuento estudiantes y jubilados.
www.latertulia.on.to

Contacto de prensa:
JUAN BAUTISTA BRITEZ
15-4939-0992 / 4282-9331
info@pressenta.com.ar

2011-03-10T19:21:00.028-03:00

Sádica, ¿quién rompe el silencio?,

Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina continúan creciendo con éxito

Por Osvaldo Sabino

Una vez más, debo decir que cuando hay talento no es necesario tener detrás un productor millonario que financie una obra poniéndole dinero para que triunfe por su espectacularidad. En el caso de Sádica, ¿quién rompe el silencio?, el nuevo musical de Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina, esta afirmación queda ampliamente demostrada. Esta es una obra musical en la que podemos ver claramente que, en la actualidad, el gran teatro surge de las filas del off, de los jóvenes que ponen su talento y su esfuerzo a las órdenes del director sin pensar en cuánto van a ganar, o si la obra será el trampolín para saltar a las grandes lides (o las grandes cifras). Y en esto no estoy hablando de los autores, sino también de los treinta artistas que cada martes se suben al escenario de “El Cubo” para dar lo mejor de ellos mismos a lo largo de toda la función. La destreza vocal, coreográfica, actoral y acrobática que despliega todo el ensamble, es realmente asombroso y merecedor de los aplausos más honestos y de los elogios de los críticos más severos.

Tratándose de una figura como la del Marqués de Sade, quizá la única objeción que se le puede hacer a Sádica, ¿quién rompe el silencio?, sería que, por algún motivo, el texto no se arriesga más en la exploración del elemento erótico que siempre implica la sola mención de dicho personaje. El nudo dramático de Sádica se concentra en la libertad de expresión y las constantes confrontaciones entre el Marqués y el padre Coulmier, que representan los polos opuestos de la moral judeo cristiana, la verdad y la hipocresía, la justicia y la injusticia, lo honesto y lo deshonesto. Y también en el trasfondo que surge de la relación más romántica de su vida: Constance, lo más cercano al amor que pudo conocer.

Apelando al rock y al glam, Nacho Medina hace una fiel traducción del texto expresando su talento para hacer confluir cada elemento que presenta el autor y director. Su música, con ajustada comodidad, consigue expresar y enfatizar las diversas situaciones que presenta Sádica, ¿quién rompe el silencio? En todo momento se destaca que existe un claro entendimiento, entre el autor y el compositor que permite establecer este constante diálogo literario-musical, haciendo de ellos una sola cosa, algo que no siempre se alcanza.

La coreografía de Nicolás Pérez Costa es un desborde constante de belleza visual que no invoca en ningún momento a otra cosa más que la pasión y la libertad que expresa todo el elenco con el sensualismo que fluye de sus cuerpos. También es destacable la labor de Gabriel Bezus Espinosa y Agustín Pérez Costa en el montaje de las escenas de acrobacia de altura, un aporte en el que se destaca su habilidad con los juegos de cadenas con los que expresan los sentimientos reprimidos en la mente de los personajes.

Todo el elenco de Sádica, ¿quién rompe el silencio?, sin excepciones, se destaca en lo actoral, lo coreográfico y lo vocal, con performances sincronizadas que hacen que la sensualidad fluya entre cada integrante del grupo. El admirable trabajo de dirección de Pérez Costa ha sido extremadamente creativo y cuidadoso de cada personaje y de todos sus detalles, y todos se lucen por igual. De todos modos, es necesario hacer especial hincapié en Gabriela Bevacqua, brillante (como siempre) en su rol de Constance, Nicolás Guriani, cuya voz y su histrionismo encarnan un muy creíble Coulmier. También se destacan Ana Rodríguez, Carla Liguori, Carlos Miceli, Agustín Pérez Costa, Eugenia Encina, Tatiana Luna y Alfredo Bonini, en el elenco que secunda a los actores centrales.

Gustavo Alderete diseñó un apropiado vestuario, funcional y adecuado. Y el escenario está muy bien aprovechado por la escenografía y las luces creadas por Gabriel Bezus Espinosa, en torno a un andamiaje que, eficientemente, cumple diversas funciones.

Sádica, ¿quién rompe el silencio?, es un esfuerzo muy valorable, con temas que al salir del teatro, siguen sonando en la mente de los espectadores. El binomio artístico que conforman Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina, continúa creciendo, y sabemos que vamos a seguir escuchando de ellos y de sus éxitos, por largo tiempo.

Libros, letras, puesta en escena y dirección general:
Nicolás Perez Costa

Música original, orquestaciones, arreglos corales y dirección musical:
Nacho Medina

Ficha Artística:
Marques de Sade Nicolás Perez - Costa Constance Gabriela Bevacqua
Coulmier Nicolás Guriani - Nadine Ana Rodríguez
Timoteo Agustín Perez Costa - Actriz Eugenia Encina
Donna Tatiana Luna - Cristoforo Alfredo Bonini
Autoridad Carlos Miceli - Doctora Carla Liguori
Ensamble:
Eric Baez - Fabio Camino - Ignacio Coga - Elizabeth Cooke - Jonathan Esquivel
Gabriel Espinoza Bezus - Mariana Guazelli - Guadalupe Halfon - Juan Pablo Keuz Daniela Miscusi - José Ignacio Nualart - Cristian Pantalani - Carolina Perrota
Marcelo Rosa - Valeria Ruggiero - Iara Sarmiento - Nicolás Strucelj
Músicos
Nano Levy Bass - Manuela Aguirre - Ezequiel Moyano - Nacho Medina
Coros:
Andrés Espinel - Mercedes Benítez - Maricel Ramírez - José Luis Bartolilla

Ficha técnica:
Coreógrafo asociado: Agustín Perez Costa
Asistente de dirección: Nahuel Saa - Nicolás Contardi
Montaje y entrenamiento en altura: Gabriel Bezus Espinosa - Agustín Perez Costa
Asistente coreográfica: Aldana Queirolo
Entrenamiento vocal: Lorena Benítez
Diseño de vestuario: Gustavo Alderete
Realización de vestuario: Ivana Perelmuter, Natalia González, Margarita Maluf
Diseño de espacio escenográfico: Gabriel Bezus Espinosa
Efectos especiales: Jorge Caruso
Prensa: Duche y Zárate
Diseño gráfico y fotografías: Daniel Ezequiel
Coordinación general: Nahuel Saa
Producción ejecutiva: Emiliano Miguez - Nahuel Saa
Asistente de grabación en estudio: Mercedes Benítez
Asistente de dirección musical: Nano Levy Bass - Manuela Aguirre
Mezcla y grabación: Nacho Medina

¡SADICA!
¿Quién rompe el silencio?
Martes 21hs. - Localidades: desde $35
TEATRO EL CUBO
Pje. Zelaya 3053, Abasto - 4963-2568
www.cuboabasto.com.ar

Contacto de Prensa:
Duche y Zárate
4522-2562 / 15-5808-1043
prensa@duchezarate.com.ar
www.duchezarate.com.ar
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Web: http://www.sadicamusical.com.ar/

Martes 21hs. - Localidades: desde $35
Teatro El Cubo
Pje. Zelaya 3053, Abasto - 4963-2568

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Ab ore ad aurem: Edda Díaz, Mi reina, amorcito corazón

2011-02-02T19:25:00.000-03:00

Ab ore ad aurem: Edda Díaz, Mi reina, amorcito corazón: "www.eddadiaz.com.ar"

2011-01-28T14:07:00.008-03:00

Edda Díaz,

Mi reina, amorcito corazón

La nada fácil tarea de ser la "Reina del Café Concert"

Por Osvaldo Sabino

Muchas veces el éxito hace que los artistas pierdan su frescura inicial y olviden sus raíces. Otras, se encasillan en el mismo rol con el que triunfaron y no evolucionan. Son fórmulas que, tarde o temprano, aburren al público. Conocemos muchos casos que han pasado a la historia a causa de esas dolencias. Sin embargo, hay otros artistas que logran la magia de evolucionar sin jamás traicionar sus orígenes sacrificándolos en pos de un éxito efímero que sólo les aporta los famosos minutos de fama de los que hablaba Andy Warhol.

Este es el caso de Edda Díaz, una artista que, a lo largo de sus casi cuarenta y cinco años de carrera, siempre ha sabido ser “orgullosamente humilde”, combinando su talento inagotable con la constante evolución escénica que tanto espera la audiencia.

Su última creación, “La Nancy”, el personaje que encarna en el unipersonal originalmente concebido por Beatriz Mosquera, Mi reina, amorcito corazón, es un claro ejemplo de lo que puede alcanzar una mujer totalmente comprometida con el arte y con la vida. La magia de Edda Díaz, rescata del anonimato a este ser al que muchos reconocemos al verla en el escenario; una señora de su casa que nos muestra su vida, sus avatares diarios, su conformismo con las desgracias con las que la golpeó el destino. “La Nancy” acepta todas las adversidades con una sonrisa, y sigue adelante manteniendo la comedia de la lucha diaria cambiando sus máscaras para cubrir el dolor. La audiencia sigue su relato con una sonrisa que pronto se confunde en una mueca de sorpresa ante la conmoción que se desprende del subtexto: la historia de la chica de barrio que encuentra a su príncipe azul en un baile, que cristaliza el sueño del vestido blanco y la boda conveniente unidas en una sola persona, y una felicidad que sólo dura unos días para luego tener que mantener la apariencia sonriendo con una amarga resignación que la ayuda a soportar la trampa en la que ha caído y de la que, por años, no logra huir por sí sola.

En, Mi reina, amorcito corazón, el humor es una presencia constante que enmascara la tragedia de todos los días, la que muchas mujeres viven puertas adentro de sus hogares, un círculo en el que caen sin darse cuenta y en el que quedan atrapadas sin saber cómo escapar de él. Lavar, planchar, limpiar, criar hijos, cuidar parientes enfermos, estar siempre dispuesta a ser el objeto de placer de su marido, y también la bolsa donde éste va a descargar sus frustraciones, su amargura con la vida que le negó el destino para el que lo habían preparado.

Mi reina, amorcito corazón, es un durísimo juego teatral de complejidades en el que Edda Díaz invierte la risa y la tragedia mezclándolas sutilmente. Su inagotable creatividad logra que, en ningún momento, “La Nancy” caiga en la trampa del cliché o de la victimización facilista, y aúna en ella a todas las mujeres golpeadas mostrándoles una ventana de esperanza que se abrirá gracias a la intervención de “la Pochi”, una amiga omnipresente que la empuja a enfrentar la horrible realidad de su vida.

En esta nueva entrega, una vez más, Edda Díaz mantiene viva la llama del Café Concert con un unipersonal que, como tantas veces lo ha hecho, es una de sus más memorables interpretaciones. A lo largo de ochenta minutos, transporta al público a través de un laberinto en el que la mayor constante es la confusión entre el drama y el humor, el desasosiego y la risa, la trampa y la liberación. La fuerza interpretativa de esta gran dama de la escena, logra que la ovación final no sea sólo para ella, sino también para todas las muchas mujeres víctimas de la violencia domestica que viven en la piel de “La Nancy”, Mi reina, amorcito corazón

“Chiquitita como es”, Edda Díaz continúa creciendo con cada nueva puesta, haciendo honor a esa corona que se ha ganado y que sigue firme sobre su cabeza, honrando el título de nobleza teatral que le ha otorgado el público, la nada fácil tarea de ser “la reina del Café Concert”.

EDDA DIAZ en

MI REINA AMORCITO CORAZÓN
de Beatriz Mosquera - 3º temporada
Sábados de enero y febrero, a las 22hs. - $40

Unipersonal sobre la violencia familiar:
Risas, sonrisas cómplices, llantos y ternura, todos los estados posibles que un actor puede pasar y un público puede acompañar, exquisita obra de grotesco argentino.

LA MANZANA DE LAS LUCES

PATIO MARIANO MORENO
entrada $40.- / jubilados y estudiantes $30.-
Perú 272 - Cap. Fed.

www.manzanadelasluces.org.ar
www.eddadiaz.com.ar

www.Pressenta.com.ar

2011-01-18T12:11:00.001-03:00

Diario "Z"

http://www.diarioz.com.ar/nota-el-teatro-en-2010-menu-internacional-y-a-la-carta.html

Martes 18 de enero de 2011

El teatro en 2010:

menú internacional y a la carta

Casi ochocientos espectáculos y más de medio centenar de estrenos.

Amantes de cifras y candidaturas Guinness aplaudirán el aserto para concluir que la Buenos Aires bicentenaria es soberana en cuanto a estrenos mundiales de teatro de todos los géneros. Frente al apabullante índice, una mesa de café basta para descubrir que no todo lo que reluce es oro (o plata, por lo de "Buenos Aires, la Reina del...").

Pero desde una visión u otra, la verdad es que la cifra impresiona y permite aseverar que el teatro en esta capital argentina y latinoamericana goza de envidiable salud. Habrá que aclarar también que frente a las marquesinas hiperproducidas de Corrientes y aledaños es imposible dejar de sumar y destacar a los modestos carteles de más de un centenar de salas (con capacidad de hasta 300 espectadores). Destacar decimos ya que esos teatros de cámara en conjunción directa con numerosos elencos independientes -con el apoyo indispensable de la Ley Nacional del Teatro y una serie de becas y subsidios concordantes- pueden ensayar y estrenar sus propios proyectos y poner de relieve el trabajo de autores relevantes y, especialmente, el de aquellos nacionales de todos los tiempos.

Empezando por el final, los doce nombres y la calidad seleccionada para la nueva versión del Festival de Teatro CABA2010 nos exime de comentarios. Nos permitimos, sin embargo, destacar dos de imprescindible visión: Ala de criados (Mauricio Kartun) y Muaré (Natalia López-Marina Quesada).

La puesta en escena de piezas de nuestros propios autores, clásicos o actuales, remozados o respetados al pie, renovó nuestra creencia en un teatro que nos represente. Alberto Vacarezza, Armando Discépolo, Julio Sánchez Gardel y Florencio Sánchez se sumaron -entre muchos otros- a Griselda Gambaro, Roberto Cossa, Diego Manso e Ignacio Apolo.

Las buenas y no tan buenas traducciones, las adaptaciones, las versiones libres y libérrimas y hasta las copias encubiertas de algunos clásicos subieron a escena con mayor o menor éxito. Desfilaron, entre muchos otros, un empalidecido Calderón (C. Bieito), un Ibsen enaltecido (Zorzoli), un estupendo Lorca "intervenido" (J. Gené), un desangelado O'Neill (V. Cosse), un Miller conmovedor (Tolcachir) y hasta un acriollado Valle Inclán (M. Barreiro).

Los extranjeros contemporáneos establecidos como Arthur Miller, Samuel Beckett, Yazmina Reza, y Neil Simon y los menos conocidos entre nosotros, como Jon Fosse y Lutz Hubner, subieron a escena en más de una sala y hasta con más de un título.

Españoles como los del grupo La Zaranda (G. Campuzano, Paco Sánchez, etc.) y latinoamericanos, como el clown-show de Caíllo Cru dejaron una impronta inolvidable. Otros como Rodolfo Santaña (Venezuela) y Enrique Buenaventura (Colombia) tuvieron su primer idilio con nuestra Ciudad.

En el rubro unipersonales -tarea muchas veces vilipendiada- tuvo, entre varios otros, a tres dignísimos exponentes de distinto género: Osqui Guzmán (El Bululú), Juan Pablo Geretto (Yo amo a mi maestra) y Virginia Innocenti (Dijeron de mí).

Las obras con directores tan diferentes y dispares como Mauricio Kartun - un independiente consagrado- y el empeñoso José María Muscari fueron respuesta popular para quienes se preguntaban qué ver. Daulte, Veronese, Spregelburd y Tantanian -muchas veces directores, autores y hasta actores- aseguraron su trabajo renovador o innovativo.

El género "teatro musical", que tuvo como primer exponente local notorio a Pepe Cibrián Campoy -cuyo Drácula cumplirá 20 años-, alcanzó calidad internacional y un repartido apoyo del público. El imán de La bella y la bestia pudo lo que no logró la buena propuesta de Sweeny Todd. Souvenir fue un logro especial de Karina K y Gonzalo Demaría hizo un hilarante autosacramental, La anticrista, que terminó siendo obra de culto.

El teatro de género y resistencia fue variado en propuestas y calidad: Enmudecer la lluvia, PresXs, Perra que ladra a la Luna, Quiero pasar una tarde con Franco y Carnes Tolendas estuvieron entre las más vistas.

Premios y distinciones de distinto orden sirvieron para alentar y/o discutir méritos y deméritos de una actividad que parece haberse potenciado en todos los niveles: los actores, los autores, los directores, las salas, el público. Dejamos rubros y nombres en el tintero. Sucesivas notas nos permitirán ampliar este análisis.

Volviendo al título: es un placer para los amantes del teatro tener una opción que muchas veces es un auténtico menú a la carta.

(c) Jorge Paolantonio, Redacción "Z"

2011-01-10T13:09:00.002-03:00

Serenata Para La Tierra de Uno

María Elena Walsh 1930 - 2011... y la eternidad...

Composición: María Elena Walsh

Porque me duele si me quedo
pero me muero si me voy,
por todo y a pesar de todo, mi amor,
yo quiero vivir en vos.

Por tu decencia de vidala
y por tu escándalo de sol,
por tu verano con jazmines, mi amor,
yo quiero vivir en vos.

Porque el idioma de infancia
es un secreto entre los dos,
porque le diste reparo
al desarraigo de mi corazón.

Por tus antiguas rebeldías
y por la edad de tu dolor,
por tu esperanza interminable, mi amor,
yo quiero vivir en vos.

Para sembrarte de guitarra,
para cuidarte en cada flor
y odiar a los que te castigan, mi amor,
yo quiero vivir en vos.

Presentación de la novela ganadora del Premio Odisea de Literatura 2010, Tres Noches, de Rubén Mettini Vilas

2011-01-05T03:12:00.002-03:00

2011-01-05T03:05:00.009-03:00

DESTRAVARTE 2010: 2do Encuentro de arte trans de Buenos Aires

MISILES CONTRA LA DISCRIMINACIÓN

Por Jorge Paolantonio, de la redacción de Z

Destravarte en su versión 2010 tuvo-con obras dirigidas por Martín Marcou y Osvaldo Sabino-un excepcional cierre en lo que hace a la actividad teatral dentro de la exitosa muestra que se desarrolló entre el 13 y el 15 del corriente en predios de nuestro Centro Cultural Caras y Caretas, bajo la coordinación de Mosquito Sancineto.

Hablar de transgénero en teatro es internarse en una zona donde la discriminación y el prejuicio deben borrase aún cuando ambas sean motores de una conflictiva que trasciende la posmodernidad y tanto otro rótulo. Esta complejidad surge para instalarse cada vez con más fuerza en los escenarios del mundo ya que, más allá del hecho teatral en sí, [nos] ayuda a reflexionar y entender sobre cuestiones que por centurias y hasta hace poco eran parte de lo acallado por ley, dicho en voz baja en las familias, desdeñado por las elites de la moralina fascistoide, castigado con la muerte y obliterado por los fundamentalismos religiosos, y blanco de artillería de todo tipo y de cuanto medio se propusiese versar bien o mal, con morbo o sin él, sobre la temática.

Martín Marcou

Quiero pasar una tarde con Franco, escrita y conducida por el joven Martín Marcou, exhibe un desfile de creaturas neuróticas cuya inestabilidad física y psíquica no logra desbaratar las raíces fuertes de un enamoramiento bien plantado. Valentino [Marco Gianoli] invita a merendar a Franco [Hernán Lettini] y, consciente o no, pone sobre la mesa un ‘pack’ que incluye algo más que una variedad agridulce de galletitas. Tras un imperdible diálogo sobre las mismas, se corporizan personajes que, con inteligencia, el autor-director utiliza para tejer una conflictiva que ilustra y pondera sobre el amor y sus circunstancias mediatas e inmediatas. El aire romántico sobrevuela una colección de diálogos infernales y atrapa al público que suspira por un final que llega y rescata la idea de felicidad. El elenco luce parejo y las verosímiles actuaciones de Gianoli y Lettini aunadas a la versatilidad de Puchi Labaronnie [en el rol de la madre de Valentino] subrayan la calidad de un texto con altibajos en la dramaturgia pero efectivo en cuanto a su función primordial: entretener y reflexionar sobre hechos que, afortunadamente, han dejado de ser tabú.

Presxs de la Vida [con ‘x’ ya que no marca género] es una serie de monólogos articulada por el reconocido Osvaldo Sabino sobre idea de Daniela Ruiz. Cinco transexuales en situación de cárcel desfilan sus historias frente a una platea que va de la risa a la emoción con la misma frecuencia que las creaturas escénicas narran superficie y estratos de su problemática individual. La cotidianeidad de estos seres en prisión pasa a un segundo plano en tanto cada uno despliega el meollo de sus historias. Estas parecen tomadas de una antología de clisés del amarillismo y, sin embargo, son historias reales de vida donde el género y la resistencia brillan con una luz que se revela especialmente en el conjunto. La ambición, la pasión enfermiza, la xenofobia, la envidia, la competencia desleal, el desamor, el abandono, la soledad, el transcurso del tiempo: todo ello pasa por lo dicho en escena donde un cierto quietismo permite una escucha efectiva.

Osvaldo Sabino

El director vehiculiza sin efectismo ni afectación la narración de sus ‘presxs’: Lucía Escobar, Paula Polo, Belén Ponce, Sayuri Salazar y Delfina Bianco; en consecuencia, la línea dramática fluye con el impacto oportuno y la emoción puntual. Una obra reveladora en la que la lucidez de Osvaldo Sabino dispara certeramente contra la discriminación y el oscurantismo.

Belén Ponce-Delfina Bianco-Sayuri Salazar-Lucía Escobar-Paula Polo

2010-12-03T13:30:00.002-03:00

Presxs de la vida,

escrita y dirigida por Osvaldo Sabino

Gran obra, con un elenco con mucho potencial

Dolor en el símbolo del horror. Dolor que se transforma en esa experiencia formidable que es Prexas de la vida, la obra escrita por Osvaldo Sabino, que se presentó en el marco de las “Jornadas por la Diversidad”, en el Centro Cultural de la Memoria Histórica Haroldo Conti (en la ex ESMA).

La historia de seis personas trans, fuera de la sociedad no sólo por su identidad sino también por ser estar presas. Presas de ellas mismas, incluso.

Iba a verla con bastante prejuicio. Pensé en encontrar la típica obra reivindicativa, de drama carcelario. A los 3 minutos de la explosiva apertura se fueron todos mis tópicos mentales a casa.

El texto es emocionante, durísimo, bordea la completa tragedia, pero los toques necesarios de humor son el oasis esperado para aguantar la dolorosa catarata de imágenes y monólogos de Lucía Romina Escobar, Paula Polo, Daniela Ruiz, Belén Ponce, Delfina Bianco, y Sayuri Salazar. Ellas, despojadas, oscuras incluso en su ropa, su voz, su historia, iluminan el escenario con tan sólo las largas cabelleras y seis historias de amor y muerte. No son sólo asesinas, o traficantes, o ladronas. Ellas son amantes, protectoras, soñadoras, turras, ingenuas, ambiciosas.

El perfil tan claro las humaniza.

Hay amor ante todo desesperado, para aferrarse a quién quieres (la mejor, Paula Polo); hay rencor en la autoritaria e inmensa Peque de Daniela Ruiz; hay ingenuidad absoluta en Malibú (para mí una de las mejores performances) a cargo de Lucía Romina Escobar, y hay verdadero teatro en el monólogo de a dos entre Belén Ponce y Delfina Bianco; Sayuri tiene una presencia sin fisuras en la Peruana que todas maltratan (en la diversidad también se discrimina), pero le aconsejaría que no se traslade tanto por el escenario: su pelo azabache y su personaje son suficientemente fuertes como para necesitar tantos movimientos.

Osvaldo Sabino ha luchado por sacar lo mejor de cada una de las actrices e indudablemente ha salido exitoso. El melodrama es peligroso cuando está en manos inexpertas, y no es precisamente este caso.

Para corregir: la puesta con los mini monólogos de final de la obra. No hace falta que lleven y traigan las sillas, a la tercera ya estamos agobiados por esos pocos segundos que se nos corta la emoción. Tal vez podrían utilizar una misma silla y que el traslado sea de las actrices solamente.

Y, creo que la dureza de Daniela Ruíz no necesita de tanto volumen de voz, una buena película de Alba Mujica la ayudaría a redondear maravillosamente su personaje.

Gran obra, con un elenco con mucho potencial, y que ojala se haga un lugar en la cartelera porteña del 2011. Nos lo deben.

Fotos: Germán Díaz

2010-11-24T11:59:00.001-03:00

Tortita de manteca

Un verdadero tour de forcé de Martín Marcou,

con Checha Amorosi, Valeria Actis,

y el elenco de Teatro Crudo

Espero que aunque se viene anunciando “la última función” de Tortita de manteca de Martín Marcou, sólo estén refiriéndose a la temporada 2010. Estoy convencido de que hay mucha gente más que quisiera, y debiera, verla. No creo que hasta la fecha, el teatro argentino haya tocado el tema lésbico, el amor y el desamor, la realidad de un mundo que para muchos es completamente desconocido, con el respeto artístico que lo ha hecho Marcou.

A través de los mismos personajes, impecablemente interpretados por Checha Amorosi y Valeria Actis, Tortita de manteca nos permite ir descubriendo, por medio de sus monólogos simultáneos, qué se siente momentos antes del reencuentro con una pareja que ha quedado trunca. Las palabras de los dos personajes, que van desnudando su interior frente a la audiencia, nos permiten ir construyendo el pasado y el presente de estas dos mujeres que en algún momento fueron pareja.

Tortita de manteca se desarrolla en dos tiempos: la previa al encuentro, y el encuentro en sí. En la primera parte vemos lo que ellas mismas perciben, y sabemos que siempre la percepción es muy diferente a la realidad, se idealiza, se redimensiona, es selectiva. En cambio, cuando finalmente se da el encuentro, todo sucede con la naturalidad de lo que pudo haber sido y no fue. A pesar de la agresividad que surge como lógica consecuencia de la ruptura, la distancia, los reproches—cosas inherentes a todo reencuentro amoroso—el dolor de la pérdida es lo que, si bien subyace, está a flor de piel.

Todo el drama está basado en movimientos de danza. La experta mano de Checha Amorosi, convierte la puesta coreográfica en un placer visual que complementa las escenas con una destreza que colorea fuertemente esa relación de la que sólo van quedando rastros cada vez más vagos.

Indudablemente, el balance que otorga el dominio escénico de Valeria Actis, es altamente destacable. La coordinación de las dos actrices, al presentar dos monólogos paralelos al mismo tiempo sin que el espectador termine confundiéndose, es un verdadero tour de forcé que pocas veces alcanza a lograrse en un escenario.

La mano experta de Martín Marcou, resalta en cada escena, en cada movimiento y, sobre todo, en el brillo del texto armado con su profunda responsabilidad social y política, su maestría autoral, y su magnífico mundo poético interior.

El marco que brinda el local de la Asociación Civil, Marlene Nueva Generación—una agrupación en la que, en su mayoría, se nuclean lesbianas adultas y de clase trabajadora—resulta una perfecta escenografía para la puesta. Lo mismo que la breve participación espontánea de Valentina Ruiz Díaz (Miryam), la bar tender oficial de Marlene, que aporta más realismo a la puesta.

Una vez más, Martín Marcou, acompañado por el elenco de su Teatro Crudo, nos sorprende con una obra en la que se aúna lo mejor de las corrientes teatrales contemporáneas, para dar lugar a Tortita de manteca, un “melodrama o culebrón lésbico” (como el mismo autor lo define), al que pocos, o tal vez ninguno, aún se han animado.

Queda una sola función (que esperemos no sea la última), ojalá muchos puedan verla, porque el buen teatro merece ser visto, alentado y apoyado. Y el de Martín Marcou, entra en esa categoría.

Tortita de manteca

Despedida definitiva. Última función 27 de noviembre a las 23hs

Marlene, Nueva Generación - Colombres 770. Boedo.

Localidades limitadas.

Tenés que reservar a:
reservas@teatrocrudo.com.ar

Ficha técnica

Actúan: Checha Amorosi y Valeria Actis

Maquillaje: Sol Osimi
Vestuario: Eleonora Boffi
Escenografía: Ana Paula Fort Caneda
Diseño de luces y operación técnica: Ariel Campos
Fotografía y edición de video: Leandro Martínez
Música original: Ezequiel Agüero
Bolero: Música Ezequiel Agüero, Letra: Martín Marcou
Versión "El pájaro vio el cielo y se voló" pertenece a Germán Díaz.
Voces en la lluvia: Lola Micucci, Mercedes Küref
Diseño Gráfico: Vanina Moreno
Asistente de producción: Esteban Fort Caneda
Asistente de Dirección: Ariel Campos

Dirección General: Martín Marcou

Tortita de Manteca participó de los siguientes festivales:

II Festival Internacional de teatro y danza Fintdaz 2008, realizado en Iquique – Chile, donde además realizó una función especial en la localidad de Huara.

I Festival de arte Queer- Arte Joven- que se realizó en el colegio Nacional Buenos Aires, del 27 de octubre al 2 de noviembre del 2008. Organizado por el Área de Estudios Queer de la UBA desde la Federación Argentina de Lesbianas, Gays, Bisexuales y Trans (FALGBT).

Participó del evento de cierre de Diversa. Festival Internacional de cine gay lésbico trans de Argentina - Por respeto a la diversidad, en su quinta edición, que se llevó a cabo entre el 13 y 23 de noviembre del 2008.

Se presentó en el festival Generarte, organizado y producido por: Joana Ruival (Portugal) & Elena Marcigot (Italia), promovido por el instituto social y político de la mujer – ISPM (argentina). Abril 2009 – Centro Cultural Defensa.

Formó parte del 1º Encuentro de Teatro Minimalista organizado por la compañía teatral El Péndulo y la Municipalidad de Villa General Belgrano, Córdoba, Argentina. El evento se llevó a cabo los días 13 y 14 de junio del 2009.

3º Festival de teatro Lesbico Gay Trans - Resistencia - Chaco.

2010-11-23T12:28:00.007-03:00

B r i l l o s a

El talento de Martín Marcou

en un fascinante despliegue.

Un verdadero esfuerzo del teatro contemporáneo.

En estos tiempos, hablar de la “generación teatral sub 35”, y omitir el nombre de Martín Marcou (32), me suena a una absoluta desinformación acerca de lo que acontece en los escenarios alternativos de Buenos Aires. Por supuesto, no puede abarcarse todo en un sólo artículo, la cantidad de nuevos talentos es muy grande. Pero, a mi juicio, el caso de Martín Marcou resulta en un fenómeno bastante único e imposible de pasar por alto. Hace cuatro años que tiene su propia compañía, “Teatro Crudo, Teatro Visceral”, con un grupo de excelentes actrices y actores, escenógrafos, iluminadores, músicos, un ensamble fiel que lo acompaña en todos sus emprendimientos. Su producción es de un nivel sorprendente que se supera con cada nueva entrega, y sus puestas siempre prometen más, y nunca decepcionan.

Brillosa—solamente con la publicidad boca a boca—está culminando su segunda temporada, a sala llena, en IMPA, FÁBRICA CULTURAL. Es una comedia inusual, altamente provocativa, que penetra en la mente de un grupo de jóvenes mujeres aspirantes a artistas, a las que Marcou, enfoca desde diversos ángulos buscando abarcar el universo femenino. Y el autor/director lo hace valiéndose de todo tipo de recursos, con los que logra crear un excelente collage de multimedia. En él se destaca un muy cuidado video, dirigido por Leandro Martínez.

En la superficie, y ya desde el momento cuando el espectador está en la antesala esperando ubicarse, todo parece un caos, recordemos que estamos en el interior de una fábrica recuperada, y el director la aprovecha en cada palmo de su estructura. Comenzada ya la obra, la situación caótica va multiplicándose sin nunca llegar a desproporcionarse. Es evidente que cada detalle ha sido tenido en cuenta para que encaje en su lugar exacto y así lograr un ensamble en el que vemos diversas formas teatrales contemporáneas que se superponen intermitentemente—teatro musical, performático, absurdo, ridículo, y más. Martín Marcou logra ajustar está combinación valiéndose de la inversión de toda una serie de conceptos teóricos con los que juega constantemente. Por supuesto, todo está apoyado por un grupo de actrices que recrean sobre sí mismas las obsesiones y frustraciones propias y de sus colegas.

“La jaula” es uno de los elementos centrales de la escenografía, el que contiene a las protagonistas y las conduce a hacer un dinámico juego confesional a partir del que va armándose el grupo. Todas tienen intervenciones muy relevantes, pero es necesario destacar las intervenciones de Checha Amorosi y Valeria Actis, que aparecen en otras de las obras de Marcou, como Tortita de manteca.

Brillosa no puede catalogarse fácilmente—algo que el espíritu renovador de Marcou, que está en constante evolución, siempre logra. Nos confunde en cada nueva escena y, al final, uno tiene la certeza de haber presenciado la obra de un inquietante autor/director que no sólo nos ofrece un tejido de nuevas corrientes, sino un teatro nuevo, crudo, visceral, como el mismo lo define, un teatro que se arriesga y apuesta yendo más allá de lo que el espectador está acostumbrado a ver.

Las luces, la escenografía, el excelente vestuario, las actuaciones, son elementos que están todos en un mismo nivel, no hay nada que se destaque sobre algo más, todo impacta, todo deslumbra. Todos los “invitados especiales” que rotan cada semana, ofrecen lo mejor de ellos mismos para complementar la performance. Y todo esto dentro del impactante marco del espacio del IMPA, tan meticulosamente aprovechado por Martín Marcou.

Brillosa nos hace respirar y celebrar la renovación del teatro. Es un claro ejemplo de cómo la fragmentación de lo cotidiano puede convertirse en relevante, aquello que tanto hemos visto que pasamos a su lado ignorándolo. Esa es la base del teatro de Marcou, lo vemos en cada una de sus obras, y esperamos que siga este constante crecimiento. La suya no es una obra pasajera, es el teatro que cambia al teatro, una obra inteligente, que sorprende al espectador, que progresa, que nutre, que perdura.

BRILLOSA
de MARTIN MARCOU
Viernes 21hs. - Entrada: $20 y $15
IMPA - LA FABRICA CIUDAD CULTURAL - 3° Piso SALA CORRUGADO
Querandíes 4290, esq. Pringles, Cap. Fed.- 4981 3730
www.brillosa.blogspot.com - www.impalafabrica.org.ar

BRILLOSA, Actrices desesperadas por actuar
9 actrices en una fábrica metalúrgica + 1 invitado por función.

¿Qué es Brillosa?
Brillosa es una fábrica de momentos intensos que acontecen dentro de una fábrica real. La obra este año ocurre dentro de una empresa metalúrgica recuperada por sus trabajadores, en medio de sus ruidos, sus olores y su mística. Algunas actrices se fueron, otras se quedaron, otras se probarán por primera vez como chicas crudas.
Vení a sacarlas de la jaula, que están desesperadas por actuar.

Elenco:

Valeria Actis - Checha Amorosi - Karina Ciaponi Jimena Civelli - Claudia Cuccioletta - Candela Reynoso Yara Ribas - Delfina Robles - Ana Rossi

Artistas invitados:
Sergio Calvo - Germán Díaz - Hernán Lettini
Gray Pop - Juan Sayes - Matías Tisocco
Dirección:
Martín Marcou

Ficha técnica:
Autoría: Martín Marcou
Maquillaje: María Sol Osimi
Vestuario: Eleonora Boffi
Asistente de vestuario: Cecilia Jazmin
Escenografía: Ana Paula Fort Caneda
Diseño de luces: Ariel Campos
Diseño gráfico: Vanina Moreno

Fotografías 2009: Leandro Martínez
Fotografías 2010: Sabrina Caamaño
Direccion de video clip: Leandro Martinez
Colaboración en el video clip: Gabriela Lacunza - Marcela Giménez
Colaboración general: Marcela: Jiménez - Gabriela Lacunza
Asistencia general: Esteban Fort Caneda
Asistencia de dirección: Ariel Campos